Montserrat Gudiol, la primera pintora académica catalana
Ene09

Montserrat Gudiol, la primera pintora académica catalana

“A veces el cuadro está exigiendo algo. Parece irreal o absurdo, pero es así, el cuadro te pide, te ves forzado por él, manda más la obra que tú misma”. -Montserrat Gudiol. Como todos los niños, la pequeña Montse admiró a su padre desde siempre y, en ocasiones, le observaba mientras trabajaba. Esto no hubiera tenido mayor relevancia de no ser porque su padre era arquitecto y crítico de arte. Y, aunque el mérito es completa y absolutamente de Montserrat Gudiol (1933) por su obra, la historia del arte se hubiera perdido una estrella en el firmamento de no haber sido por este pequeño detalle. Corría la década de 1940 cuando esta catalana de Sant Adrià de Besòs (Barcelona) comenzó a pintar y, por aquel entonces, que una mujer se dedicara a la pintura profesionalmente era un acto de rebeldía. Pero, como se suele decir, “She did it“. Esta es la apasionante vida y obra de la que posiblemente sea una de las cinco pintoras más relevantes en la península en el siglo XX. Montserrat Gudiol, pintora académica catalana y pionera Montserrat aprendió a pintar como aprenden aquellas personas en las que no cree nadie; por su cuenta. Se formó de manera autodidacta durante años (después sería adoptada como pupila en el taller de Ramón Rogent) y a la edad de 17 años tuvo su oportunidad cuando expuso en el Casino de Ripoll. Su gran oportunidad llegaría en una exposición colectiva en Estados Unidos en 1964. Su obra destacó entre grandes artistas de su tiempo como era el caso de Tàpies. No fue hasta 1970 que crearía su gran obra Sant Jordi que a día de hoy es una de las grandes pinturas del arte catalán contemporáneo. Por si fuera poco, Montserrat Gudiol se granjeó el beneplácito de la burguesía catalana hasta tal punto que, en la década de los setenta, fue la más popular de entre todos los artistas para colecciones particulares. Su fama se extendió hasta su muerte el pasado 25 de Diciembre de 2015. Sant Benet, Sant Jordi y Maternidad Azul, la Trinidad de Montserrat Gudiol Su primera gran obra fue compuesta en 1964 en una España convulsa que se preparaba para la transición, aunque no fuera consciente y aunque sus figuras nunca tuvieron un simbolismo, lo cierto es que el rostro hierático de la obra de Sant Benet (1980) que se asemeja a una máscara con la que se recubre la oscuridad del ser, bien podría ser una expresión extrema de su tiempo. Sant Jordi arde en este cuadro del que se desprende la voracidad del color sobre la figura humana. Gudiol era una amante del surrealismo al...

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El pintor Guillaumet, el explorador que fotografió África
Nov23

El pintor Guillaumet, el explorador que fotografió África

Hay quién se enamora del mar y queda atrapado en él para siempre. Algo parecido le sucedió al pintor Guillaumet con el desierto. Inmortalizó el Sahara en sus lienzos como nadie.Este pintor academicista francés vivió a mediados del siglo XIX. Su legado es el de la pintura de las emociones. De no ser así, es posible que la visión de sus obras fuera un elemento puramente decorativo, al gusto de la corriente pictórica a la que se suscribe. Pero Guillaumet traspasó la barrera de lo políticamente hermoso para lograr que el espectador sintiera la soledad y el vacío absoluto del desierto. Este artista consigue crear un efecto sinestésico en el observador que le transporta a una nueva realidad, a un universo ajeno, el desierto, tan sensitivo como fascinante. Acompáñanos al Sahara. Guillaumet y su tiempo: la escuela academicista francesa del siglo XIX Gustave no era como sus compañeros. Y si. Realmente es difícil medir a un artista sin vincularlo a un contexto. El arte decimonónico de mitad de siglo padecía una resaca del Romanticismo precedente que había enraizado en la sociedad francesa. Gracias a artistas como Delacroix, la amada libertad francesa y los altos ideales republicanos se habían plasmado en lienzos que mostraban los valores morales de la sociedad gala del siglo de la Revolución Francesa. Los primeros orientalistas vivieron pocas décadas antes que Guillaumet. Al estilo de Benjamin Constant, trataban de proyectar la imagen idílica y el exotismo de una Arabia que apenas conocían. Guillaumet fue uno de los grandes abanderados del segundo orientalismo, mucho más implicado y sensitivo. La corriente a la que se suscribe no fue solo una ruptura con el occidentalismo teórico sino que se aventuró a viajar más allá de los límites europeos. Su patrimonio y el de contemporáneos suyos como Belly no es solo pictórico sino intelectual. El pensamiento idealizado que se tenía en Europa acerca de los rincones exóticos y lejanos se ha mantenido hasta la llegada de la era de la comunicación. Guillaumet fue el pintor informativo, el fotoperiodista del siglo XIX. Guillaumet  y sus viajes a Argelia A pesar de que fue un destacado pintor a nivel técnico, Guillaumet quedó inmortalizado por otro motivo; acercó el norte de África a la sociedad francesa decimonónica, sus atardeceres de fuego, los testimonios de sus gentes y la exuberante vacuidad de un terreno tan hostil como fascinante. ¿A quién no le seduciría ese silencio que se retuerce de dolor? Guillaumet fue un documentalista más que un pintor. Tuvo la capacidad técnica y la sensibilidad artística de transmitir el desarraigo y la soledad del desierto. Fue capaz de acariciar las entrañas de Argelia y de dirigirse...

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Psicopatología en los artistas del expresionismo abstracto
Nov17

Psicopatología en los artistas del expresionismo abstracto

“Así como Leonardo estudió la anatomía humana y trató de disecar los cuerpos, yo trato de disecar las almas” (Edvard Munch) El expresionismo marcó un antes y un después en el concepto del arte debido a su axioma inicial que partía de la base de que rechazaba la imitación de la realidad y detestaba las contradicciones de la vida moderna. Aunque no dejaba de ser una disciplina educada por sus hermanas mayores; surrealismo y dadaísmo, nunca hubo una corriente que expresara tan bien los sentimientos de una generación de post-guerra, devastada por la crisis existencial. Los gobiernos fallaron al pueblo tanto como la sociedad había fallado a estos artistas que se refugiaron en un universo plagado de dolor ininteligible, de una verdad sin lógica. Bienvenidos al mundo de la psicopatología, a la corriente expresionista. Los “Tastebreakers” o la psicopatología en los artistas del expresionismo abstracto Cuando James Johnson (director del Museo Guggenheim) acuñó el término de “Tastebreakers”, en los años 50, para definir a los nuevos artistas, los que rompían las encorsetadas estructuras artísticas estaba definiendo a un grupo de artistas que rompían con las reglas y que estaban, del mismo modo, rotos por dentro. El vacío existencial y el hedonismo actual no son sino la evolución natural de esa disonancia entre lo que se espera del individuo y lo que el individuo siente. Jackson Pollock, bipolaridad y expresionismo abstracto Antes de que apareciera Munch ya era famoso Jackson Pollock. Curiosamente, este gran artista, una de las insignias más preciadas del expresionismo, comenzó a pintar siguiendo el consejo de su psicoterapeuta Joseph L. Henderson al que había acudido para curar un incipiente problema de alcoholismo. Resulta sorprendente que uno de los artistas más vanguardistas de todos los tiempos estuviera atormentado (como suele suceder en todos los casos en los que el alcoholismo interviene en la vida de una persona). De hecho, las elucubraciones indican que Pollock padecía de trastorno bipolar. Jean Dubuffet, el ladrón de dementes Dubuffet puede que sea uno de los grandes artistas. Creador del término “Art Brut” (o arte en bruto) nunca estuvo muy loco. Todo lo contrario. Estaba lo suficientemente cuerdo como para fijarse en lo que dibujaban los dementes en los sanatorios. Como un lobo a la caza, recorría las calles de París cada noche para retratar el lado más sórdido de la capital francesa del siglo XX. De ahí nacerían series como “Barbas” o “Dames”, basados en personajes caricaturescos, deformes, criminales y deformes. Edvard Munch:”sin temor ni enfermedad, mi vida habría sido un barco sin timón” Que era alcohólico no era extraño en la Noruega de mediados de siglo. El azote de la post-guerra no...

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Artistas del siglo XVIII que dejaron huella
Sep23

Artistas del siglo XVIII que dejaron huella

El neoclasicismo europeo nos legó grandes obras en todas las ramas de las artes aunque, quizás, recordemos más unas que otras. Puede que al lector advierta que en este artículo solamente hemos añadido a mujeres. No ha sido deliberado. Estas sobresalientes mujeres no solo no necesitan tener una sección aparte en la historia del arte sino que son la genialidad a pesar de que se trate de velar sus logros asumiendo que obtuvieron ayuda (realmente no hay un solo artista que no tuviera mecenas, acólitos o familiares influyentes). Su arte trascendió y, a día de hoy, son consideradas tres de los referentes imprescindibles del siglo XVIII. Las artistas del siglo XVIII que no fueron musas, sino genialidad Hemos seleccionado a tres artistas que encarnan tanto la escultura como la pintura y el retrato. Puede que no conocieras los nombres de estas artistas hasta la fecha pero te aseguramos que alguna vez viste sus obras, en algún lugar. Angelika Kauffmann, la pintora de las composiciones “alegres” Esta pintora formada en las artes desde bien joven, fue una artista pragmática dotada de una gran habilidad para la composición y de una disciplina que le granjeó un nombre en la Inglaterra del siglo XVIII. Sus obras fueron reconocidas como “alegres” y se dijo de ella que las figuras masculinas eran, más bien, mujeres masculinizadas, lo cual es gracioso porque, ahora que lo decimos, casi todos los hombres pintores tuvieron el mismo defecto a la inversa hasta bien entrado el siglo XIX. La obra de la pintora de la historia En fin, aunque pasó toda su vida pintando, lo cierto es que solo algunas obras llegaron al gran público. Es el caso de Anna Von Escher Van Muralt, pintura que se puede disfrutar en el Museo del Prado (1800) o Ariadna abandonada por Teseo que se puede ver en el Museo de Bellas Artes de Houston (esta es algo anterior, del año 1774). También se merece una mención su Venus convence a Helena de ir con Paris (1790). Goethe y la última despedida Quizás, quienes mejor acogieron a esta artista suizo-austriaca que vivió en Londres parte de su juventud, fueran los italianos, quienes supieron valorar su arte hasta tal punto de que el mismísimo Goethe la valoró como la artista más persistente e incansablemente trabajadora que jamás había visto. Fue, de hecho, enterrada con los honores que se conferían a los artistas al estilo de cómo se hiciera con el genio Rafael. Pero el paso del tiempo no trajo consigo ningún reconocimiento póstumo mayor para esta gran artista. Muy al contrario, su obra ha sido expuesta en las galerías de medio mundo sin que nadie tenga conocimiento...

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Arte y cine, una combinación perfecta
Jul20

Arte y cine, una combinación perfecta

El séptimo arte siempre ha tenido un gran interés por el arte y por los artistas. En este artículo vamos a hacer un recorrido por algunas de las películas centradas en la vida de maestros universales del como El loco del pelo rojo (1956), Mr. Turner (2014), Pollock (2000) o Shirley. Visiones de la realidad sobre la obra de Edward Hopper. También son interesantes aquellas en las que el arte tiene un papel principal en la trama como La mejor oferta (2013), La dama de oro (2015), Big Eyes (2014) o Midnight in Paris (2011). Una de las más famosas es El loco del pelo rojo protagonizada por los actores Kirk Douglas y Anthony Quinn, que cuenta la vida del famoso pintor impresionista Vincent Van Gogh. Una película que ha disfrutado de un gran éxito y que retrató la atormentada vida del pintor a partir de su obra. Una cinta de 1956 dirigida por Vicent Minelli y que contó con un excelente guión de Norman Corwin basado en la novela homónima de 1934 escrita por Irving Stone. Una película que va contando a través de la vida y la obra la ansiedad, la sensación de fracaso y la soledad que lo llevaron, finalmente, a la locura. Una vida compleja que comienza con sus primeros años como predicador en las regiones mineras de Bélgica hasta su contacto con los pintores impresionistas ubicados en París. Además se centra en sus inestables relaciones amorosas y el complejo vínculo afectivo que con su hermano Theo, que le ayudó durante toda su vida tanto como apoyo emocional, y como sustento económico para que Vincent pudiera sobrevivir como pintor. Lo más interesante es que se supo rodear de otros artistas como Seurat, Monet, Pissarro o su mejor amigo Paul Gauguin, interpretado por Anthony Quinn, que sería premiado con el premio Óscar al mejor actor de reparto. Otra película interesante es Mr. Turner una coproducción británico-franco-alemana del 2014, escrita y dirigida por Mike Leigh y protagonizada por Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey y Paul Jesson. Se trata de una biografía sobre el excéntrico pintor británico J.M.W Turner (1775-1851), ilustre miembro de la Royal Academy of Arts. Un curioso pintor que  vive con su padre y su fiel ama de llaves y aunque lleva una vida acomodada rodeado de aristócratas, visita burdeles y viaja frecuentemente en busca de inspiración. Un artista que sufrió las burlas del público y el sarcasmo de la sociedad. Tras la muerte de su padre, su vida cambia cuando conoce a Mrs. Booth, propietaria de una pensión familiar a orillas del mar. La película se estrenó en la competición por la Palma de oro en el Festival de Cannes 2014,  donde Timothy Spall ganó el premio a Mejor actor y el fotógrafo Dick Pope recibió...

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Llega al Museo del Prado la primera muestra monográfica del Bosco en España
Jun07

Llega al Museo del Prado la primera muestra monográfica del Bosco en España

Hasta el 11 de septiembre se puede disfrutar en el Museo del Prado de Madrid la primera muestra monográfica que se le dedica en España a El Bosco. Una exposición que se ha organizado para conmemorar el V centenario de su fallecimiento y que cuenta con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA. Todo un acontecimiento porque cuenta con la colección del Museo del Prado, la más numerosa y mejor del mundo y que incluye obras maestras como El jardín de las delicias, el Carro del Heno o la Adoración de los Magos. A ellas se suman el Camino del Calvario de El Escorial -una obra que, gracias a la generosidad de Patrimonio Nacional, se traslada desde la muestra “El Bosco en El Escorial” para unirse la magna exposición del Museo del Prado- y San Juan Bautista de la Fundación Lázaro Galdiano, uno de los mejores frutos del afán coleccionista de don José Lázaro. Junto a estas obras, los préstamos procedentes de Lisboa, Londres, Berlín, Viena, Venecia, Rotterdam, París, Nueva York, Filadelfia o Washington, entre otras ciudades, hacen de esta muestra un acontecimiento único para sumergirse en el imaginario de uno de los pintores más fascinantes del arte universal. Para la ocasión se ha creado un espectacular montaje donde se reúne más de medio centenar de obras, entre ellas 21 pinturas y 8 dibujos originales del Bosco, que constituyen más del setenta y cinco por ciento de su producción conservada, así como grabados, relieves, miniaturas y pinturas de otros autores que contextualizan el ambiente en que estas se concibieron. Dado el carácter monográfico de la muestra, y ante la dificultad que plantea fijar su cronología, se ha distribuido su producción en seis secciones temáticas: Infancia y vida pública de Cristo, Los santos, Del Paraíso al Infierno, El jardín de las delicias, El mundo y el hombre: Pecados Capitales y obras profanas, y La Pasión de Cristo.  La exposición incluye asimismo obras realizadas en el taller del Bosco o por seguidores a partir de originales perdidos. Otro grupo de obras, entre las que figuran pinturas, miniaturas, grabados a buril de Alart du Hameel, relieves de Adrien van Wesel y el manuscrito del Comentario de la pintura de Felipe de Guevara, permitirá entender mejor el ambiente en el que se gestaron las pinturas del Bosco o la personalidad de alguno de sus patronos como Engelbert II de Nassau. Además, el Museo del Prado, pionero en el estudio técnico de la pintura del Bosco, ha vuelto a analizar sus obras sirviéndose de los últimos avances. Otra novedad es que los visitantes de esta exposición El Bosco. La exposición del V centenario podrán contemplar parte de los resultados de...

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