Desde mi taller: Darío Berterreche
Mar17

Desde mi taller: Darío Berterreche

Nací en la ciudad turística de Miramar (Argentina) en 1969. Estudié Óptica y Contactología en la Universidad de Buenos Aires. Una vez asentado y afianzado en mi profesión, di lugar a mi pasión y asistí a varios talleres de dibujo y pintura, con diferentes maestros y técnicas. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? Naturalmente, desde que tengo conciencia, quizás como todo niño. Según cuenta mi madre, a los cinco años dibujaba seis cuadernos por semana. Si bien de joven tuve la necesidad implacable de externalizar mi mundo interior, reconozco que la revelación fuerte de mi búsqueda incesante y trabajo persistente en la pintura surge a través de la ausencia física de mi padre.  ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas? Existen en mi país muchas galerías nuevas que cobran a los artistas una mensualidad para su representación, se salvan con la ilusión del artista emergente, sin respetar el trabajo y la sensibilidad. Entonces brindo por las galerías serias, que apuestan con respeto a los artistas no consagrados, pactando solo un porcentaje de las ventas. ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra? Que sean verdaderos y sinceros, que sigan los latidos de su corazón, que sean conscientes que lo que van a mostrar son fragmentos latentes de un valioso espíritu, un pedazo de cielo de la inmensa intimidad. ¿Cómo vendiste tu primera obra? ¿Hay alguna con la que sientas una mayor conexión? Afortunadamente en mi primer muestra, vendí dos obras, un comprador fue mi marquero (enmarcador de cuadros) y el otro “mi tío”, cuya obra hacía referencia a su hermano, es decir a mi padre, y me exigió que se la cobrara  para sentirla verdaderamente propia. Cada vez que lo visito y la veo, me produce la misma tristeza que tenía al realizarla, es ahí cuando reafirmo mi creencia en el arte verdadero, más allá de la técnica. ¿Qué es el arte para ti? ¿Qué papel juega en tu vida? ¿Vives del arte? El arte es vida, es la inversa de la destrucción y la violencia, se puede atacar con el arte, pero desde el amor. Soy muy afortunado, gracias a la sensibilidad que nos trasmitieron mis padres, toda mi familia vive el arte en sus distintas formas y con muchísima intensidad, mis hermanos, mis hijos y mis sobrinos, (obviamente predominan los músicos). Todavía no vivo del arte, ejerzo como Técnico Óptico en mi ciudad natal, Miramar. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? ¿Te identificas con algún otro artista? Mis fuentes de inspiración además de las pinturas de los grandes maestros y mis pares, suelen ser la poesía. Bill Evans, Keith...

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La Crítica: Saúl Gil Corona
Ene31

La Crítica: Saúl Gil Corona

«El arte no requiere de entendimiento, sino de espíritu, de alma; el arte se debe interpretar emocionalmente, no intelectualmente, porque el momento de empatía emocional surge en la oscuridad intelectual». Son palabras de Tarkovski, que insistía: «la gente que no tiene cultura está mucho más dispuesta a interpretar espiritualmente el arte, porque carece de pretensiones, porque alguien que es culto está lleno de pretensiones». El arte actual, y probablemente el de cualquier época, está asfixiado por las pretensiones, los ambages y los gin-tonics. Pocas personan sienten el arte, sino que piensan el arte mientras se rodean de él como un atrezzo más de su identidad social: la bufanda, la exposición y el vegano de la esquina. Por eso el arte, el nuestro, necesita a más tipos como Saúl Gil Corona, el artista que se duerme como Prometeo, exhausto, y se despierta con los brazos pletóricos de Atlas, sosteniendo su mundo, que volverá a ser devorado antes de que se esconda la luna. Su alma es fuego El artista maduro no necesita estar revuelto para crear. El artista «perro viejo» no debe esperar a ser devorado para facturar obras que devoren al espectador; tiene que ser capaz de mantener una suficiente distancia emocional  con respecto a sus ángeles y demonios para encauzar una trayectoria artística. Todo esto es lo que dice el manual. Pero la realidad es que se crea mejor embestido, filtrando la sangre fresca como tono principal de la obra. Saúl Gil Corona es un púgil que «Hace para no dejarse enredar por los pensamientos». Su alma flamea en obras que golpean con fuerza al espectador. En No habrá paz para los sueños, de título lapidario, un hombre desnudo ocupa casi toda la superficie de la tabla. Su grito furioso retumba hasta casi hacer temblar el gin-tonic del espectador. Sus desproporcionados puños, apretados, amenazan al cielo, porque los sueños, en nuestros sueños, no se pueden detener… Gil Corona disfruta con estos tipos humanos exuberantes, inmensos, que son capaces de amenazar a los dioses, pero también de amar a sus mujeres. Tal vez son una suerte de autorretrato, de una proyección del artista que no esconde nada, mostrando incluso el interior de su cuerpo, conformado en ocasiones por material reciclado: latas, cadenas, tornillos… El resultado estético de esta técnica mixta es de una desmedida potencia que, como una maza en el corazón del espectador, bombea sangre que enciende sus alarmas. El abrazo del púgil La trayectoria expresiva de Gil Corona partió de la música en su primera juventud, para continuar con las letras y desembocar en el arte plástico. Es precisamente esta necesidad de expresión la que hace temblar...

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La Crítica: José María Ordeig Corsini
Ene09

La Crítica: José María Ordeig Corsini

Cuando en 1874 se realizó la primera exposición impresionista, nadie imaginó la trascendencia de lo que aquellos pioneros estaban fraguando. Monet, Pissarro, Sisley y compañía habían dado forma a un estilo que 150 años más tarde sigue siendo el preferido del gran público. El impresionismo ha calado tanto entre el público por su mezcla de colorismo, sensualidad, hedonismo y culto al instante, al «aquí y ahora». En la serie de las estaciones de José María Ordeig cristaliza la luz, el color y lo fugaz que fascinó a aquellos primeros impresionistas. A través de pequeños campos de color, sutiles transparencias y degradados, el artista atrapa la calidad lumínica. Como en Otoño I, en el que la luz se filtra mágicamente a través de las copas de los árboles; una fiesta de color que linda ya con la abstracción. Por supuesto, la pintura de José María Ordeig (Valencia, 1948) hunde sus raíces en el impresionismo, pero el pintor levantino muestra un mayor interés por las primeras evoluciones de aquella técnica pictórica. En sus paisajes, detectamos el influjo del Cézanne obsesionado con el monte Sainte-Victorie. El Pico San Donato está construido con esos pequeños campos geométricos de color cezaniano que más tarde conducirían al cubismo. Pero Ordeig suaviza el color, sintiéndose más cómodo con las mezclas de colores más vivos y alegres, tal vez fruto de su herencia mediterránea. Sierra de Leyre es otro festivo espectáculo de color, como Midi d’Ossau, en el que las tonalidades frías ganan ya la partida en las estribaciones del monte que también dominan la obra Del Tallón al Casco. Paisajes urbanos Las relaciones cromáticas son una de las principales preocupaciones de Ordeig. Todas sus colecciones pivotan en torno a las armonías de color, generalmente cálidas, como ya hemos apuntado. El pintor levantino ha tenido presente los hallazgos del divisionismo, de aquellos seguidores de los primeros impresionistas que se pusieron estupendos y decidieron que la pincelada debía ser «más científica» para lograr un mayor efecto de luz. Los colores no se mezclarían en lienzo, sino en el ojo del espectador… En la preciosa obra titulada Castillo de Olite, Ordeig genera estás divisiones de color tan apreciables en las copas de los árboles de la zona inferior del lienzo. Así, el castillo parece flotar sobre algodones de colores generando un efecto delicioso. El propio castillo también está construido con esos cuadritos de color que ya habíamos visto en sus paisajes naturales o en la serie de las estaciones, unos toques geométricos  que generan de forma certera una fantástica combinación de luces y sombras. Figuras No cabe duda de que la elección técnica de Ordeig ha sido clave para...

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La Crítica: Víctor Manuel Delgado
Dic22

La Crítica: Víctor Manuel Delgado

Una pieza de más de 1 metro y medio de altura, ligeramente combada y rugosa, con círculos girando alrededor de toda ella. Parece un tronco, sin copa ni hojas, que surge de un pedestal de piedra pulida y cortada a la perfección. Es Reforma de ley, obra del escultor Víctor Manuel Delgado (Burgos, 1970), y que podemos colocar en el umbral virtual de la puerta a través de la cual damos paso a su rica producción escultórica. Exterior La escultura siempre ha tratado de desprenderse de su etiqueta de hermana acomplejada de la pintura. Generalmente, el proceso creativo en escultura es más costoso, más largo y no siempre más satisfactorio. Un error se paga mucho más caro que un lienzo. Durante la mayor parte de la historia del arte, el espectador solo tuvo ojos para la pintura hasta el punto de que la escultura siempre parecía fijarse en ella para lograr la aquiescencia del gran público. A la escultura le costó dejar atrás su condición manual y hacerse respetar como actividad intelectual, los pintores alcanzaron el estatus de filósofos mientras los escultores seguían siendo considerados artesanos (con algunas excepciones, claro). El siglo XX, por suerte, despedazó el clasicismo y sus convencionalismos y obligó al espectador a mirar la escultura con otros ojos. El culto al material escultórico, las relaciones entre espacio y tiempo, entre vacío y masa, la integración con el paisaje y la naturaleza y el desarrollo de la abstracción fueron los puntos clave de la revolución escultórica del pasado siglo cuyos efectos todavía se perciben en la actualidad. En esta revolución escultórica se funda el trabajo de Víctor Manuel Delgado. Observando algunas de sus obras para exterior, como Brote de Almendro, no creemos ya que ningún espectador ponga el grito en el cielo. La abstracción está plenamente aceptada. La referencia a lo figurativo en esta obra es evidente pero el valor de la misma no está, por supuesto, en la mimesis, sino en las calidades táctiles y en las sensaciones que despierta la combinación de materiales, el acero corten, el acero inoxidable y la piedra natural. En otros casos, Delgado usa exclusivamente el acero corten como en Raíces, donde apreciamos la influencia de Chillida, referencia fundamental en la obra del escultor burgalés. Efectivamente, Delgado enfoca muchas de sus obras, sobre todo las de exterior, con ese carácter totémico del artista vasco. Mientras en Trazo, Delgado apuesta por el minimalismo, por el equívoco entre la gravedad del material elegido y su forma esbelta, casi titilante, en La Unidad aporta una mayor dosis de originalidad con un interesante sentido simbólico, pieza, por cierto, ejecutada junto a Marta Vallejo. Interior...

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La Crítica: Miguel Robledo Cimbrón
Nov18

La Crítica: Miguel Robledo Cimbrón

No resulta difícil imaginar a Miguel Robledo Cimbrón en su taller, deslizándose entre los acordes místicos de la música oriental y haciendo fluir formas y colores para generar sus celosías espirituales, obras con pie y medio en la abstracción que se resisten, no obstante, a abandonar la realidad visual a través de sutiles anclajes figurativos. A Miguel Robledo (1956, Mora de Rubielos, Teruel) le tocó ser un prematuro viajero que pasó primero a Ávila para establecerse en Cataluña todavía en su niñez. Los estudios académicos no eran lo suyo, pero sí el dibujo y la pintura que desarrolló desde mediados de los 70. Primero fue al óleo a través de motivos figurativos tradicionales, para descubrir después las posibilidades de la abstracción y el informalismo. Pequeñas puertas que se abren La pintura de Robledo emana de un apetito espiritual, de una necesidad de indagar en la sustancia primera. El arte es para muchos un proceso de higienización mental. El acto en sí de pintar, más allá de sus objetivos estéticos o prácticos, produce una catarsis moral que limpia y regenera. Como pasar la aspiradora por el alma y eliminar el polvo acumulado. Pero por mucho que limpies el polvo siempre vuelve, por eso la pintura y el arte en general es un proceso que no termina nunca… ¿Y el espectador, qué papel juega en todo esto? Su labor es mirar y tratar de sentir, de acercarse a la motivación del pintor, pero también de abandonarse a su propio espíritu. En este sentido, las obras de Robledo son poemas visuales que nos señalan un camino hacia nosotros mismos, hacia una experiencia sensorial y psicológica que busca reflejar la propia catarsis del artista en el espectador. Son, en última instancia, pequeñas puertas que se abren… Tal vez tras cruzar su umbral no encuentres nada, o lo comprendas todo. Depende de ti, depende de cada uno. Depende del día. El fluir del azar Miguel Robledo ha citado entre sus referencias a algunos de los grandes del informalismo del siglo XX como Antoni Tàpies, el malogrado Nicolas de Stäel  o Asger Jorn. Tal vez el pintor catalán sea la influencia que mejor se puede rastrear en su producción, pero en general la obra del artista nacido en Teruel ha logrado dotarse de personalidad a base de años de trabajo y de progreso tanto a nivel teórico como puramente pictórico. Robledo ha generado un estilo propio y es lo mejor que se puede decir de un artista. Su obra se divide en cuatro tipos según el soporte y el estilo: papel, óleo, abstracto sobre tabla y abstracto sobre lienzo. Sus dibujos informalistas son la mejor manera...

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La Crítica: Alberto Kissola
Nov08

La Crítica: Alberto Kissola

2016 está siendo un gran año para Alberto Kissola (Setúbal, Portugal, 1962). Una exposición individual en su ciudad natal titulada «La escultura en el deporte» ha sido el reconocimiento definitivo para este artista. Fueron 11 esculturas en diferentes materiales y estilos que formaban parte del calendario de eventos de Setúbal Ciudad Europea del Deporte 2016. Revisar las obras pertenecientes a esta exposición es una buena forma de adentrarse en el carácter artístico de Kissola que bebe de diferentes tendencias de la escultura contemporánea. En Ciclismo usa el hierro forjado, limitando al máximo la presencia material, con el objetivo de dar una mayor sensación de levedad y velocidad. La bicicleta y el ciclista se funden en una sola pieza, tal y como los vemos cuando cruzan a toda velocidad una carretera. En Lanzamiento de martillo, sin embargo, Kissola se inclina hacia una solución técnica diferente, más pesada y masiva, que transmite la potencia del lanzador. En Natación, el artista se vale del granito para generar una pieza más esbelta en la que domina la sensación de verticalidad del nadador a punto de lanzarse al agua, misma solución que aplica a 100 MT. El selfie de Dios Al tratarse de un encargo oficial, es más que probable que Alberto Kissola no pudiera dar rienda suelta a una de sus principales características: el sentido del humor. Por suerte para nosotros, Kissola no piensa moderarse en sus esculturas más personales. Selfie es una de sus obras más impactantes. Cuenta el artista que la idea para este grupo escultórico le surgió tras la ceremonia de los Oscar 2014, cuando la presentadora de aquella edición, Ellen DeGeneres, realizó un selfie con varios pesos pesados de la industria de Hollywood que se convirtió en el acto en una de las fotos más compartidas del año. ¿Qué pasaría si Jesucristo hubiese tenido móvil? Eso debió pensar Kissola y se puso manos a la obra. Indicada para ser observada desde varios puntos de vista (las caras de Jesucristo y los discípulos posando para la foto no tienen desperdicio), Selfie es una obra maestra de la ironía. Si Duchamp levantase la cabeza, le daría una palmadita en la espalda a Kissola… En esta misma línea está No Smartphone, en la que el artista portugués atiza de nuevo la relación del hombre del siglo XXI con las nuevas tecnologías. Como dice el propio Kissola: «a pesar de ser personas modernas mantenemos el instinto de cazador recolector de nuestros antepasados, pero en vez de una maza, utilizamos tecnología punta para cazar…». Y no podemos dejar de reseñar otra de sus mejores piezas: Kings Leak. Un juego de palabras con el célebre...

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