LocalizaciónEstados Unidos

El Tocador Carboncillo (Armando Reveron)

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Información de la obra original

  • País: Estados Unidos
  • Categoría: Dibujo
  • Técnica: Carboncillo
  • Medidas: 5.51 x 7.80 in
  • En Artelista desde:
  • Etiquetas: mujer, retrato, reflejo

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Descripción de la obra

La pieza representa un desnudo femenino sentado, el cual ocupa la zona media del cuadro a lo largo de buena parte de su eje vertical, con el cuerpo ligeramente ladeado hacia su flanco izquierdo y el rostro en tres cuartos acusado (casi de perfil). Sus antebrazos están dirigidos hacia el suelo y los brazos, en posición ascendente en forma de escuadra, se abren a cada lado del cuerpo. El brazo derecho está más bien en posición frontal y el izquierdo ladeado en tres cuartos. En la parte que corresponde a la cabeza y su cabello, el dibujo queda entrecortado por el extremo superior del papel, en la parte que corresponde a las piernas, el trazo del contorno lineal se interrumpe abriéndose de tal manera que los bordes no se cierran, lo que impide definir la forma de los miembros inferiores. A este tipo de trabajos, donde la línea no completa del todo el contorno de la figura, se le denomina dibujo de plano activo, un procedimiento que deja de parte del observador el esfuerzo por terminar de conformar el trabajo lo que, en términos de comunicabilidad, atrapa de una manera más efectiva la atención activa de quien imagina el resto de la obra.
Por otra parte, la figura sostiene en su mano izquierda un objeto que apenas se hace perceptible ya que esta difuminado, no obstante, el título de la obra hace pensar que este objeto es un espejo, el cual utiliza la joven para mirarse detalladamente. En algunos sectores del contorno femenino (hombros, axila izquierda, torso derecho) el artista ha profundizado el trazo remarcándolo, aspecto que destaca estas zonas sobre las demás, en términos de densidad y oscuridad de la línea. En otros sectores del trabajo, el dibujo está hecho a través de líneas entrecortadas e insistentes, bajo trazos en diferentes direcciones y con un carácter expresivo basado en un gesto tembloroso, lo que le da impresión de movimiento a la figura. El volumen de esta presencia femenina está sugerido con breves líneas cortas compuestas de trazos gestuales y nerviosos de gran fuerza gráfica. El artista ha proyectado esta corporeidad hacia adelante mediante el empleo de líneas en zig-zag y otros trazos dispersos a cada lado de la figura y hacia el fondo del soporte.
A este tipo de propuesta en el que destaca la pureza lineal, gráfica o gestual por sobre los sombreados del tipo pictórico se le denomina dibujo con línea activa, ya que representa el extremo opuesto de la mancha, que es propia de la pintura. El artista ha creado una representación conceptual y subjetiva por intermedio de la implementación de un mínimo de líneas con las que logra proporcionar a su motivo una visualidad gráfica realista. Con este poder de síntesis se permite acentuar el carácter simbólico del objeto representado, destacando su iconocidad y expresividad.
Por otra parte, la dirección y énfasis de la mirada de la joven, dirigida hacia el espejo, da a entender que escruta su sexualidad, en un acto exploratorio de la propia belleza corporal y sensualidad erótica, lo que sugiere la idea de vanidad femenina, dentro de un acto casi ritual e íntimo asociado al pudor juvenil. Al contemplar su rostro también pareciera explorar su alma a través de una mirada que resulta espejo de su espiritualidad, no obstante que, a su vez, somete su pensamiento al poder de los instintos.
Este desnudo femenino, con su gracia y la calidad de las formas sinuosas logradas, presenta la firmeza de un cuerpo joven que se admira, a la vez que se descubre en un sentimiento de vigor y ardor. Es importante destacar que la zona vaginal prácticamente desaparece ante un dibujo que no se completa y se abre hacia el espacio, un aspecto que señala el recato adecuado del artista, cuando de desnudos de jóvenes se trata.

Observaciones: Esta obra fue presentada en la exposición retrospectiva organizada por el crítico de arte Alfredo Boulton en el Museo de Bellas Artes, en 1955, tras la muerte del artista en septiembre de 1954, y quedó reseñada en el catálogo de aquella muestra bajo el número 314, teniendo como título: El tocador. Los integrantes del grupo de expertos en la obra de Armando Reverón, denominado Proyecto Armando Reverón (por sus siglas PAR), procedieron a catalogarlo con el mismo número que apareció en dicho catálogo, a saber el 314.
Reverón y su obra gráfica. Contextualización de la pieza: El tocador, de Armando Reverón
Armando Reverón está considerado como uno de los más conspicuos y prolíficos dibujantes de la primera década del siglo XX, esto es debido no solo a su sólida formación académica sino también por ser uno de los artistas que más se expresó por intermedio de los procedimientos gráficos. En efecto, durante su etapa de formación en la Academia de Bellas Artes de Caracas, destacó en esta técnica como alumno de Emilio Mauri al obtener, en el concurso de fin de año, la calificación de bueno en dibujo de desnudo. Posteriormente, viaja becado para Europa, en donde se matricula en la Escuela de Artes y Oficios de la Lonja (Barcelona), donde recibe clases de Vicens Climent Navarro en dibujo del natural y colorido. Seguidamente, se inscribe en la Academia de San Fernando (Madrid), en la que recibe, en 1913, el premio en segunda clase en dibujo del antiguo y ropajes de la Real Academia .
Aun cuando, de vuelta a Venezuela, el artista aborda decididamente la pintura hasta finales de los años treinta, reduciendo en extremo su producción dibujística, no obstante, entre 1917 y 1918, cuando vivía en la casa del colegio que regentaba R. A. Rodón Márquez, en la Guaira, retomó el dibujo al natural, impartiendo instrucción en esta técnica en sus clases particulares.
Seguidamente, a partir de 1938, se empeña por algunos años en los procedimientos gráficos, al punto de que aborda esta técnica con total autonomía o autosuficiencia para producir obras únicas en la que el dibujo no es solo un recurso en apoyo ante el hecho pictórico, tal y como se enseñaba en la academia, sino que lo utiliza como protagonista de sus necesidades expresivas, tanto desde el punto de vista lineal, gestual, como sígnico-caligráfico, en lo relativo a su sintaxis, pero también atendiendo a su aplicación como mancha, otras de sus posibilidades, ahora más cercanas a la pintura.
Por su forma de aplicación este último tipo de dibujo, que favorece las valorizaciones, diluyendo y aniquilando la forma, las corporeidades hasta mezclar lo plástico-lineal con lo plástico pictórico, se basa en una suerte de empaste que favorece las gradaciones, los efectos vibracionales, las veladuras, tanto como la mezcla de colores (aún el blanco y el negro). En ese sentido, debe entenderse que lo característico del dibujo es la línea, mientras lo que resalta de la pintura es la mancha.
Luego de unos años, particularmente a partir de 1944, vuelve a exaltar el hecho dibujístico con una vehemencia y con tal contundencia que marcará el resto de su obra hasta su fallecimiento, convirtiéndose este procedimiento en el más característico de su producción durante su etapa final; aunque en ocasiones llegaría a mezclar, para ese momento, tanto la pintura como el dibujo en una misma obra. Por tal motivo, se ha llegado a sugerir que Reverón es fundamentalmente un artista gráfico y que es precisamente esta característica la menos estudiada del autor, quien se expresaba integralmente y sin preocupación por la separación de categorías genéricas (pintura o dibujo), bajo una suerte de técnica mixta en la que el dibujo estaba en la base de la mayoría de sus realizaciones.
La obra que ocupa el interés de este ensayo puede ser vista como expresión de sus dos voluntades temáticas más resaltantes en la técnica gráfica, como son: los desnudos femeninos y el autorretrato. En este sentido, El tocador, pudo haber sido realizada tanto en ese período de retoma del dibujo que arranca en 1938, como en su etapa final, delimitada entre 1944 y el momento de su fallecimiento, en 1954.

Nota biográfica del curador
Félix Hernández (1960) es licenciado en Artes, mención Artes Plásticas por la Universidad Central de Venezuela (1998); tiene estudios en la Maestría de Estudios del Discurso y es tesista de la Maestría en Artes Plásticas. Historia y Teoría, ambos en esa misma casa de estudios. Entre 1997 y 2000, fue coordinador de Investigación y Museografía para la Fundación Museo Armando Reverón; entre 2001 y 2007, se desempeñó como coordinador del Gabinete de Dibujo Estampa y Fotografía, en la Galería de Arte Nacional; a partir de 2008, se desempeña como investigador especialista para esa misma institución museística. Hernández, centra sus intereses investigativos dentro de las denominadas culturas urbanas contemporáneas, el arte popular venezolano, la vida y obra de Armando Reverón, el arte moderno y contemporáneo venezolano y latinoamericano. Su ensayo: La arquitectura religiosa en la obra de Juan Félix Sánchez, se hace merecedor de la Mención de Honor al Mejor Libro de Arte, del Premio Nacional del Libro, en 2004. Del mismo modo, ha colaborado en otros proyectos editoriales, entre los que cabe destacar: Armando Reverón: Guía de Estudio (2005), del proyecto Armando Reverón (grupo PAR); Diccionario Biográfico de las Artes Visuales en Venezuela, de la Galería de Arte Nacional, Premio Municipal de Arte, Salón Juan Lovera, Primer Premio a la Mejor Investigación en Artes Plásticas (2006); Bolívar hecho a mano (2011), en coautoría junto a Juan Calzadilla y Mariano Díaz, publicado por Editorial El Perro y La Rana; Todo César. Panorama de vida y obra (libro digital en coautoría), publicado por Editorial El Perro y la Rana, 2018. Actualmente, prepara el proyecto editorial: El Castillete de Armando Reverón. Un espacio memorable. Sus ensayos están representados en textos curatoriales, guías de estudio y artículos para revistas especializadas. También se desempeña como curador independiente, promotor cultural, productor y conferencista.

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