Desde mi taller: Fernando Toledo
Jun20

Desde mi taller: Fernando Toledo

Me llamo Fernando Toledo y soy el resultado de lo que es nacer en una isla caribeña (nací en la Habana, Cuba) con todo lo que eso implica, calles e iglesias coloniales con sus respectivos vitrales coloridos a la luz del sol tropical y olores del puerto. Un lugar mágico, cargado de historias, y lleno de gente abierta. Esa es mi raíz. Estudié en la academia de arte San Alejandro (Cuba). En mi obra, me interesa como camino la espontaneidad, la ejecución pasional y libre, el arte figurativo, las huellas desenfadadas del pincel, eligiendo la línea y el color casi emulados de un vitral para sacralizar la cotidianidad representada, para elevar al grado de sagrado esos pequeños momentos cotidianos donde somos realmente nosotros, sin presiones sociales ni autoimagen formada, tan simples como la vida misma. Desde el 2005 radico en Chile, junto mi esposa y mis dos hijos. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? Tengo recuerdos de a mis 5 años dibujando con crayolas sobre cualquier soporte que se me ponía en medio (las paredes de mi casa también fueron parte), posiblemente tenía una necesidad de expresión enorme combinado con un gran mundo interno e imaginación. Mi familia se ocupó de que desarrollara aquella capacidad en diversos talleres de pintura. ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas? Por regla general los artistas no son muy buenos para divulgar su trabajo, para ofrecerlo, incluso a veces hasta para venderlo. En ese sentido pienso que galería Montecatini tiene una relación cercana con los creadores que apoya, y es aún en estos tiempos, de vital importancia. ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra? Creo que es importante partir del interiorizar, del experimentar sin temores para lograr cierto grado de autoconocimiento, el “por qué hago lo que hago”. Una vez teniendo ese grado de seguridad personal, buscar los espacios y medios que tengan mayor conexión con lo que creas. Por ejemplo, suele pasar que jóvenes artistas desean exponer en galerías de cierto renombre por el tema curricular que les proporciona, o por entrar en cierta elite. En sí a esto no le encuentro nada malo, pero a veces puedes estar perdiendo la oportunidad de que tu obra sea vista por muchas más personas y tener mayor impacto en el espectador siendo expuesta en las salas de una universidad, una institución o a la entrada de un teatro, donde además es mucho más fácil llegar e ir adquiriendo experiencia expositiva. ¿Cómo vendiste tu primera obra? ¿Hay alguna con la que sientas una mayor conexión? Estoy casi seguro que la primera obra vendida fue en México...

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Arte y reivindicación en ‘God Bless America!’ de Martha Rosler en MACBA
Jun07

Arte y reivindicación en ‘God Bless America!’ de Martha Rosler en MACBA

El MACBA nos sorprende esta temporada con la exhibición de once vídeos de la original artista Martha Rosler (Nueva York, 1943) con la que ha participado el festival de vídeo LOOP. Vídeos increíbles realizados todos entre 1974 y 1997 menos el que da título y abre la muestra ‘God Bless America!’ en 2006. Durante casi cincuenta años la artista, que cuenta con una reconocida trayectoria internacional, ha ofrecido una mirada crítica en sus trabajos a la realidad de la cultura contemporánea. “Quiero hacer un arte sobre lo común y corriente, un arte que ilumine la vida social”, ha señalado Marta Roshler. Rosler, Martha Chile on the Road to NAFTA 1997 Vídeo monocanal, color, so, 10 min  Col·lecció MACBA. Dipòsit de l’Ajuntament de Barcelona La artista se sirve del vídeo-arte para denunciar la guerra, la intromisión americana en Latinoamérica, la tortura y violación de los derechos humanos, la inseguridad y precariedad de los migrantes, la instrumentalización del cuerpo de la mujer o el uso racista de la ciencia. También quiere fijar su mirada crítica hacia los medios de comunicación de masas del ese momento que ejercen una presencia incontrolada en la vida privada y pública. Rosler, Martha Prototype: God Bless America! 2006 Vídeo monocanal, color, so, 3 min 52 s Col·lecció MACBA. Dipòsit de l’Ajuntament de Barcelona Una exposición original que nos traslada a los primeros momentos de la experimentación con la tecnología. Martha Rosler exhibe una tecnología de grabación y edición accesible y manejable para un usuario no entendido. Muchos artistas comenzaron a experimentar con este lenguaje claro y directo que les ayuda a acercarse los cambios sociales que se estaban produciendo. Vídeos que en los que se denota precariedad de medios o en los que la artista se decanta por una producción simple pero que sirven de documento imprescindible. Una obra original y reivindicativa que podemos decir que está vigente hoy en día. En los años 60 se vivió un periodo de confianza en el sistema y en el estado del bienestar similar al de nuestra época. Pero los representantes aprovecharon la falta de control y vigilancia. Martha Rosler analiza los abusos de las instituciones y pretende visibilizar los problemas reales de los ciudadanos. Una exposición crítica Junto a vídeos antibelicistas como el que da título a la exposición, las obras seleccionadas tratan temas como la inmigración, la explotación laboral, la complicidad entre las corporaciones multinacionales, el gobierno de Estados Unidos y los regímenes dictatoriales de Latinoamérica y las transgresiones de la vida privada cometidas por el poder del Estado. Rosler, Martha A Simple Case For Torture, or How to Sleep at Night 1983 Vídeo monocanal, color, so, 61 min 45 s Col·lecció MACBA. Dipòsit de l’Ajuntament de Barcelona Por...

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Desde mi taller: Eva Villalba Vega
May23

Desde mi taller: Eva Villalba Vega

Nací en Sevilla en 1972. Me licencié en Bellas Artes en la especialidad de conservación-restauración de obras de arte en la Universidad de Sevilla en 1996. He trabajado alternando la pintura con la restauración desde que acabé la carrera y me siento afortunada por haber podido ejercerla. Durante estos años he estado en continuo aprendizaje tocando disciplinas como la delineación, el escaparatismo, el diseño de interiores, decoración de muebles, diseño asistido por ordenador, y sobre todo fotografía. Ésta, además de ser una herramienta de trabajo, ha estado muy presente en mi obra. Actualmente estoy ejerciendo como monitora de pintura, transmitiendo tanto a niños como adultos el amor al arte. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? Aunque desde que nací prácticamente ya me gustaba un papel y un lápiz, mi experiencia con la pintura comenzó cuando veía a mi padre pintar en sus ratos libres, con tan solo 9 o 10 años. Sentada a su lado aprendí el manejo de la técnica al óleo, y me inculcó el amor y la pasión que siento por ella. ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas?  Colaborando y llegando a un acuerdo que beneficie a los dos. La mejor manera de obtener un beneficio individual, es siempre unirse para un beneficio colectivo. La unión hace la fuerza, y no es una frase banal. ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra? En primer lugar les diría que hiciesen una selección de su obra, aquella que les identifique, les llene, aquella que realmente, en definitiva, les represente. Aquella que muestre lo mejor de ellos. ¿Cómo vendiste tu primera obra? ¿Hay alguna con la que sientas una mayor conexión? La primera obra que vendí la recuerdo como si fuese ayer, en el 1993. No fue en una galería concretamente, sino en un bar/galería donde ofrecían a artistas noveles la posibilidad de exponer. Un tema poco comercial, la estación de tren de Sta. Justa de Sevilla, recién estrenada y realizada gracias a la Exposición Universal del 92. A lo largo de mi trayectoria he sentido cierta conexión con alguna que otra obra, pero si tuviese que elegir alguna me quedo con Inocencia Rota, una obra que vendí ya hace tiempo y que sentí grandes satisfacciones al realizar. ¿Qué es el arte para ti? ¿Qué papel juega en tu vida? ¿Vives del arte? El arte es mi vida, he nacido para él y moriré con él. Lucho a diario por transmitir todo lo que tengo en mi interior y que otros puedan disfrutar de mis trabajos tanto como yo. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? ¿Te identificas con algún otro artista? Mi...

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Desde mi taller: Gonzalo Sáez Díaz-Merry
May03

Desde mi taller: Gonzalo Sáez Díaz-Merry

Nací en Madrid y siempre he vivido en Madrid, aunque he procurado viajar bastante, tanto por toda España como por buena parte de Europa o incluso Tailandia. Soy licenciado en Historia del Arte (siempre tengo que añadir “no Bellas Artes”) y durante la carrera realicé unos cuantos cursos de Diseño, Diseño Gráfico, Escaparatismo, e incluso de Guía Turístico. Al terminar la carrera trabajé como guía acompañante, pero pronto pasé a trabajar como diseñador gráfico especializado en punto de venta. De esto hace ya casi veinte añitos, y a día de hoy sigo trabajando como diseñador. Estoy casado y tengo dos hijos con una imaginación desbordante. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? Siempre he pintado. De pequeño estaba en un equipo de fútbol pero prefería quedarme en el banquillo dibujando a salir a jugar. En el colegio me regañaban porque no paraba de dibujar en todas partes, en los cuadernos, en los libros de texto, en la mesa, en los exámenes. Estuve en varias academias de dibujo, pero nunca duraba mucho. Me aburría con tanto método, prefería experimentar y dejarme llevar. ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas? Deberían apostar más por nombres desconocidos, mirar más la obra que el nombre o el currículum, arriesgar más y escuchar a su instinto. Entiendo que al final, una galería no deja de ser un negocio que hay que sacar adelante como sea, pero creo que las tarifas por exponer suelen ser muy elevadas si no eres un artista “consagrado”. Veo bastante lógico que el/la galerista se lleve una comisión por venta. Supongo que también falla bastante la difusión de las exposiciones, por lo general todo se queda en comunicárselo a un círculo de allegados, inauguración con vinito y picoteo y poco más. Para atraer más público se podrían hacer eventos paralelos a la exposición, charlas, master classes, encuentros con los artistas, conciertos, recitales, etcl. Algo que haga de la galería un espacio vivo. Hoy en día, con las redes sociales y la prensa digital, dar difusión a estos eventos es muy sencillo y se llega a un público casi infinito.  ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra? Exponer, exponer, exponer, donde sea (yo he expuesto en bares, en restaurantes, en peluquerías, andando por la calle, en centros comerciales, en centros culturales, en galerías, en hoteles,…), pero siempre con criterio, buscando clientela potencial, y con una colección bien cuidada y coherente. Ser muy pulcro en la presentación. ¿Cómo vendiste tu primera obra? ¿Hay alguna con la que sientas una mayor conexión? Mi primera exposición fue en una tienda de enmarcación y regalos de arte,...

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Desde mi taller: José María Ordeig Corsini
Abr27

Desde mi taller: José María Ordeig Corsini

Nací en Valencia hace sesenta y ocho años. Comencé a estudiar Bellas Artes y enseguida Arquitectura; pero las exigencias de la segunda y la necesidad de trabajar me hicieron abandonar la primera durante muchos años, aunque siempre he seguido pintando. Desde 1988 he sido profesor en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra. Desde hace unos cinco años me estoy dedicando otra vez con fuerza a la pintura. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? Comencé desde muy pequeño, quizá a los 7 o 8 años. En mi descargo diré que no sabía lo que hacía, ni si estaba bien o mal, hasta que mis padres lo advirtieron y dentro de su asombro (y del mío mucho más), me animaron a dedicarme a esa profesión; pero también a hacer otra carrera. Después, mientras terminaba el Bachiller y comenzaba Arquitectura hice el ingreso en Bellas Artes, así como aquel antiguo Preparatorio, Primero y Segundo. Pero, como he dicho antes, no pude terminar. ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas? Yo creo que ya se ayudan desde el momento en que se ponen de acuerdo. Sin embargo, ya que ha salido esta pregunta, creo que debe haber sinceridad por ambas partes: honestidad, como leí el otro día no me acuerdo dónde, que conduciría, entre otras cosas, a valorar realmente lo que son los cuadros y no las firmas. Creo que habría que hacer una campaña rotunda –y en esto las galerías son fundamentales- para que la gente compre cuadros sin estar obsesionados en su revalorización porque es de Fulano de Tal, sino porque el cuadro es bueno en sí. Qué cantidad de buenísimos cuadros he visto que valen muy poco en el mercado porque el artista es poco conocido y, en cambio, auténticas tonterías que se valoran por las nubes por ser de artistas muy conocidos. Todos, buenos y no tan buenos artistas hacemos cosas buenas y cosas que no valen nada. Valorar la persona y no la obra (en el sentido que estoy diciendo) es un pequeño desastre. ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra? Pues lo que me dijeron a mí: no tener prisas y buscar la perfección dentro de la línea de trabajo de cada uno. Perfección que, para mí, tiene mucho que ver con la seguridad en todo el proceso creativo: seguridad en la idea, en la composición, en la ejecución y en el trazo. Pero seguridad compatible –ojo- con los hallazgos que tiene todo acto creativo, pues la obra artística –como ya comentó Pollock- tiene vida propia. Evidentemente esto no significa que no se pueda mostrar...

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