Art Brut: el arte en el límite entre la locura y la cordura
Jun30

Art Brut: el arte en el límite entre la locura y la cordura

“Claro que este arte está loco ¿Qué arte no es loco? Cuando no está loco no es arte” El movimiento Art Brut nació en tiempos de destrucción o, más bien, de reconstrucción cultural. Después de la Segunda Guerra Mundial, un cuarentón Jean Dubuffet toma el relevo al expresionismo abstracto que, hasta la fecha, había sentado las bases de la disolución de las formas y que nutriría a una buena parte de los artistas que simpatizaban con el dadaísmo y el surrealismo en la década de los 20. Es en 1945 cuando aparece el arte marginal que, durante esta época, de marginal tiene poco ya que muestra una realidad generalizada; el dolor, la locura y el desarraigo de una sociedad que había sido azotada por dos guerras en un periodo de no más de tres décadas. Si hay que establecer un núcleo central de esta corriente artística esa es la de la ruptura con cualquier referente cultural precedente. Dubuffet y el arte en el límite entre la locura y la cordura artística Toda acción conlleva una reacción de la misma intensidad y en sentido opuesto. Es una ley física básica que explica a la perfección el universo caótico de mediados de siglo. Después de ver la locura de la guerra, hubo otra no menos terrorífica; la de los psiquiátricos repletos de enfermos (y no tan enfermos) que vagaban con la mirada perdida de sesión de electroshock en sesión de electroshoc. La guerra de los pobres contra la inflación, contra la explotación, contra la era industrial que tanto daño les había provocado. Ante esto, el Art Brut se muestra como una corriente artística anti-artística, sin esperanza ni pretensión de redención. Muestra la maldad de un mundo que enseñó a dos generaciones consecutivas la realidad nihilista e incapacitante. La impotencia de verse envuelto en una vorágine que escapa al control por parte del individuo que, a su vez, se sabe controlado por las instituciones. En la década de los 70, los hijos de la guerra se dieron cuenta de que la cultura les detestaba, les excluía, así que asumieron un concepto que ya existía desde Dubuffet, también llamado Outsider Art por muchos. Y es que a diferencia de la pintura academicista e, incluso, de las formas y paisajes representados por el impresionismo, el Art Brut nace con la intención de desgarrar el concepto estético para demostrar que la verdadera identidad de la pintura es mostrar la muerte, la locura, la psique consumida por la economía y la sociedad, una sociedad que excluye a sus ciudadanos después de haberlos utilizado para unos fines que nada tienen que ver con sus promesas manifiestas.  Los locos de Lausanne o la Collection de l’art...

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La belleza de la pintura del Renacimiento en Venecia llega al Museo Thyssen-Bornemisza
Jun30

La belleza de la pintura del Renacimiento en Venecia llega al Museo Thyssen-Bornemisza

Hasta el 24 de septiembre podremos disfrutar en el Museo Thyssen-Bornemisza de la exposición El Renacimiento en Venecia. Triunfo de la belleza y destrucción de la pintura, una retrospectiva del arte veneciano del siglo XVI. Una exposición que muestra casi un centenar de obras de artistas como Tiziano, Tintoretto, Veronés, Jacopo Bassano, Giorgione o Lotto. Los pintores y arquitectos, apoyados por los mecenas, apostaron por destacar gracias a la luz, el color y la sensualidad sobre modelos hombres y mujeres de extraordinaria belleza inspirados en la cultura clásica. Madrid se convierte estos meses en la ciudad después de Venecia que atesora el mayor número de obras de pintura veneciana del Renacimiento. Monarcas como Felipe II tenían una auténtica devoción por pintores como Tiziano. En el Prado ya podíamos encontrar unos 70 obras de Tiziano, 20 de Tintoretto o 16 de Veronés. Gracias a esta exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza podremos disfrutar de otras 89 obras entre pinturas, esculturas, grabados y libros. Una exposición única comisariada por Fernando Checa Cremades, catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense, que presenta una meditada selección de temas ejecutados por los maestros que dieron fama universal al Renacimiento en Venecia, en lugar de hacerlo desde el ámbito cronológico o estilístico. Se pueden contemplar un extraordinario conjunto de pinturas, y algunas esculturas, grabados y libros, procedentes de colecciones privadas y museos como la Galleria dell´Accademia de Venecia, el Museo Nacional del Prado de Madrid, la Fondazione Accademia Carrara de Bérgamo, el Palazzo Pitti de Florencia, el Kunsthistorisches Museum de Viena, la Galeria degli Uffizi de Florencia, la Biblioteca Nacional de España, el Musée du Louvre de París o la National Gallery de Londres. La belleza del Renacimiento italiano Después del predominio religioso en la Edad Media, el Renacimiento en Italia supuso una época de luz y belleza en el arte. Si bien podemos destacar a los renacentistas romanos y toscanos como Leonardo, Miguel Ángel y Rafael, también brillaron los renacentistas venecianos como Giorgione, Carpaccio, Tiziano, Tintoretto, Bassano o Veronés. Los venecianos apostaron siempre por el color mientras que los primeros lo hicieron por el dibujo. En las salas del Museo Thyssen podremos contemplar este color veneciano en obras como Paraíso de Tintoretto o Joven caballero en un paisaje de Carpaccio. La estrella de la exposición puede ser El rapto de Europa de Veronés, que solo había salido una vez del Palacio Ducal de Venecia para exhibirse en Verona. Destaca también Retrato de un joven en su estudio de Lorenzo Lotto, Retrato de una mujer (La Bella) y Retrato de Francesco Maria della Rovere de Tiziano. La exposición comienza con una magnífica vista de Venecia realizada por Jacopo de Barbari en...

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Sorteo de 5 entradas dobles para Maudie, el color de la vida (2017)
Jun19

Sorteo de 5 entradas dobles para Maudie, el color de la vida (2017)

Cuéntanos qué otras películas has visto cuyo personaje protagonista sea un artista y entra en el sorteo de una de las 5 entradas dobles para ver la última película de Karma Films, Maudie, el color de la vida (2017) (Ver condiciones del sorteo al final del post) Sinopsis: Maudie, el color de la vida (Aisling Walsh, 2017), nos cuenta la historia de Maud Dowley (Sally Hawkins), una alegre y vivaz mujer que sueña con independizarse de su protectora familia. Everett Lewis (Ethan Hawke) es un huraño pescador local que busca asistenta. Tras ver su anuncio, Maudie no tarda en mudarse a la pequeña y aislada casa de Everett para encargarse de las tareas del hogar. Pero lo que comienza siendo una difícil convivencia entre dos polos opuestos va poco a poco transformándose en una bonita historia de amor. Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de la pintora canadiense Maud Lewis, de su relación con el que se convirtió en su inseparable compañero de vida Everett Lewis, y de cómo sus sencillas pinturas llegaron a ser vistas y reconocidas por todos los rincones del país convirtiéndola en una de las artistas folk más representativas de Canadá. Ficha de la película     Bases legales del sorteo: El sorteo estará activo hasta el día 22 de junio de 2017 a las 23:59, cuando se cerrarán los comentarios en el post. El viernes 23 contactaremos con los ganadores, que podrán ir a ver la película a partir de ese mismo día y hasta que esté en cartelera. Las entradas son válidas para los siguientes cines: Madrid: Renoir Princesa (versión original subtitulada) Cine Paz (versión doblada) Barcelona: Renoir Floridablanca (versión original subtitulada) Aribau Club (versión doblada) Valencia: Cines Babel (versión original subtitulada) Cines Lyes (versión doblada) Sevilla: Cines Avenida (versión original subtitulada) Cinesur Nervion (versión...

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Carmen Laffón, la pintura costumbrista del siglo XX
May10

Carmen Laffón, la pintura costumbrista del siglo XX

Carmen Laffón es una de las pintoras y escultoras vivas en España que más éxitos ha cosechado en las últimas décadas. A pesar de que siempre tuvo la oportunidad de pintar ya que procede de una familia sevillana acaudalada, tuvieron que pasar varias décadas hasta que su estilo costumbrista llamara la atención de los grandes museos de arte. No fue hasta 1992 que se expuso parte de su obra en el Museo Reina Sofía. Es famosa por sus retratos de personajes famosos como Miguel Blesa o Don Juan Carlos de Borbón a pesar de que para ella, su verdadero arte siempre ha sido y será el paisaje.  Hacemos un repaso a la vida y obra de esta pintora sevillana. Breve análisis de la obra de la artista Es tan evidente el transcurso del tiempo y la evolución en la obra de Carmen Laffón que hay unas etapas muy marcadas en sus cuadros. Si bien es cierto que los retratos se mantienen durante toda su carrera y que estos apenas sufren alteraciones con respecto al corte realista requerido en esta clase de óleos, sus exposiciones marcan los pasos hacia la experimentación desde un costumbrismo muy personal, con evidentes influencias del impresionismo francés y del expresionismo alemán. Algunas de sus obras de madurez, especialmente las que realiza en el siglo XXI, son evidencias de su carácter marcadamente realista y de como ese realismo decimonónico ha mutado hasta convertirse en lo que hoy se denomina hiperrealismo y que, además, vuelve a estar de moda en las galerías de arte. Por supuesto, Laffón no se aleja de sus paisajes costumbristas de ese realismo empañado que se puede apreciar en sus últimas exposiciones, sobre todo en la exposición El paisaje y el lugar. En estas pinturas, su arte está tras un cristal húmedo. Es una de las referencias más fiables para saber si estamos viendo o no un cuadro de la autora. Entre las técnicas que la definen como artista se encuentran los tonos pastel, el óleo y el carboncillo y sus temáticas principales, además del retrato y el paisaje, son las naturalezas muertas y los objetos de tipo cotidiano. En resumen, la pintura costumbrista. Un recorrido por la obra de Carmen Laffón Si tienes interés en conocer la obra más relevante de Carmen Laffón, la encontrarás en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Meadows en Dallas, el Metropolitan Museum de Nueva York, la Fundación Juan March o en el Museo Provincial de Jaén. Obras de Laffón en el Museo Reina Sofía: En él encontrarás La Novia (1960), Coria del Río (1983-1985), Hojas y Sarmientos (2006-2007) y Cepas (2006-2007). Las dos primeras obras muestran una marcada...

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Pintoras vivas a las que seguir la pista en 2017
May09

Pintoras vivas a las que seguir la pista en 2017

El siglo XX trajo consigo una nueva generación de artistas y la consagración de otras que ya habían consolidado su carrera. Nos acercamos a algunas de las grandes promesas españolas y revisamos el caso de dos artistas vivas a las que seguir la pista y cuyas exposiciones a nivel internacional han deleitado a miles de amantes del arte de todo el mundo. Pintoras vivas a las que seguir la pista Lita Cabellut. Nacida en 1961, la artista de origen gitano destacó por su etnia durante sus primeros años de carrera, demostrando con el paso de los años que es una de las grandes pintoras vivas que existen. Recibió el Premio de Cultura Gitana y Artes Plásticas del Instituto de Cultura Gitana y en 2015 se la incluyó en la Artprice, catalogándola como una de las mejores artistas vivas en la actualidad. Su obra: Cabellut es famosa por sus pinceladas y uso del pigmento para desfigurar rostros y conseguir efectos muy intuitivos. Influida por Francis Bacon, según ella misma ha asegurado, ha ensalzado a las grandes leyendas femeninas del siglo XX en sus cuadros. Es el caso de las colecciones Frida, The Black Pearl y Coco, The Testimony of Black and White. Marlene Dumas. Esta pintora sudafricana es otra de las artistas vivas que no se pueden olvidar. Su estilo pictórico temerario y, en ocasiones, post-surrealista la convierten en una de las más rentables que actualmente reside en Ámsterdam. Ha sido galardonada con el Premio Schock en 2011 y tiene en su haber exposiciones en Nueva York y en el Centro Georges Pompidou (París), entre otros. Su obra: Su lugar de origen le influyó enormemente hasta el punto de que no es extraño que se describan en sus obras temáticas vinculadas a las identidades sexual y racial, haciendo especial énfasis en mostrar el cuerpo humano tanto a nivel físico como psicológico. Como ella misma aseguró: “no pondría uno de mis cuadros en el salón de mi casa”. Sus pinturas despiertan la inquietud del espectador y eso es justamente lo que la hace tan grande. 3 jóvenes promesas a las que seguir la pista en 2017 Vicky Uslé. Nacida en Santander en 1981, Uslé es una artista precoz que expuso por primera vez en 2009 con 28 años y que, en la actualidad, posee en su haber los galardones Premio Casa Velázquez de Tentaciones de Feria Estampa 2009 y ha conseguido la Beca de Producción de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid en 2010. Su obra: Si quieres conocer más acerca de Vicky puedes hacerlo en su exposición “El llano Múltiple”. Almudena Lobera: Formada en Alemania y en Brasil, entre otros lugares, Almudena Lobera es una prometedora pintora de...

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La compleja vida del artista enmarcada en un libro
Abr20

La compleja vida del artista enmarcada en un libro

Llega el Día del Libro y vamos a dedicar unos minutos a buscar libros interesantes que se detengan en la compleja personalidad de artistas inolvidables. Vidas enigmáticas y conflictivas como las de artistas como Marina Abramovic, el enigmático Bansky, Da Vinci, Chillida o Frida Khalo. Entender la obra de muchos artistas supone bucear en esos episodios inolvidables que han marcado toda su obra. La oscura infancia de Marina Abramovic Uno de los libros más esperados han sido las memorias de Marina Abramovic  Walk Through Walls: A Memoir (2016). Una autobiografía en la que nos explica historias tan oscuras con sus propias palabras como cuando intentó matar a su hermano epiléptico o jugó con 14 años a la ruleta rusa. Un libro ameno en el que cuenta  detalladamente muchos de los episodios de su vida desde su nacimiento en el Belgrado posterior a la Segunda Guerra Mundial hasta su performance La artista está presente, que desarrolló en el MoMa en 2010. Un hito para el mundo del arte en el que más de 750.000 personas hicieron cola para sentarse en una silla y mirar a Abramovic fijamente a los ojos. Marina Abramovic provenía por un lado de la larga y extravagante tradición aristocrática de su familia materna, que se había visto traicionada por su propia madre, quien cedió todos los bienes al Partido en un alarde de comunismo. Su padre provenía de un ambiente muy pobre pero  lo que le gustaba eran las mujeres, los puros, y la estrategia militar. Una infancia contradictoria y difícil que marcaría toda su obra. Mientras la población de Belgrado vivía amontonada en pisos pequeñísimos, los Abramovic estaban un amplio apartamento del centro que había pertenecido a una familia judía represaliada durante la ocupación nazi de la ciudad. En este apartamento había muchos libros y Marina disfrutaba, incluso, de un pequeño espacio en el que refugiarse de ese ambiente familiar: su estudio artístico. Banksy, el arte de romper las reglas Recientemente se ha presentado  Banksy, el arte rompe las reglas (Editorial Mediterrània), el primer libro en castellano y catalán sobre el artista. Una reedición lanzada por la editorial británica Wayland en 2014 y escrita por Hettie Bingham. Un libro curioso porque se sigue guardando el secreto mejor guardado: ¿Quién es Banksy? Solo se hace alusión a dos datos muy básicos y no probados como que se trata de un hombre y que se cree que es de Bristol. Solo se puede hablar de especulaciones como la que dice que podría ser un colectivo o las que se han atrevido a dar nombres señalando, entre otros, al mismísimo Damien Hirst. Pero el libro se centra en cómo piensa, cómo trabaja y...

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