Desde mi taller: Fernando Toledo
Jun20

Desde mi taller: Fernando Toledo

Me llamo Fernando Toledo y soy el resultado de lo que es nacer en una isla caribeña (nací en la Habana, Cuba) con todo lo que eso implica, calles e iglesias coloniales con sus respectivos vitrales coloridos a la luz del sol tropical y olores del puerto. Un lugar mágico, cargado de historias, y lleno de gente abierta. Esa es mi raíz. Estudié en la academia de arte San Alejandro (Cuba). En mi obra, me interesa como camino la espontaneidad, la ejecución pasional y libre, el arte figurativo, las huellas desenfadadas del pincel, eligiendo la línea y el color casi emulados de un vitral para sacralizar la cotidianidad representada, para elevar al grado de sagrado esos pequeños momentos cotidianos donde somos realmente nosotros, sin presiones sociales ni autoimagen formada, tan simples como la vida misma. Desde el 2005 radico en Chile, junto mi esposa y mis dos hijos. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? Tengo recuerdos de a mis 5 años dibujando con crayolas sobre cualquier soporte que se me ponía en medio (las paredes de mi casa también fueron parte), posiblemente tenía una necesidad de expresión enorme combinado con un gran mundo interno e imaginación. Mi familia se ocupó de que desarrollara aquella capacidad en diversos talleres de pintura. ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas? Por regla general los artistas no son muy buenos para divulgar su trabajo, para ofrecerlo, incluso a veces hasta para venderlo. En ese sentido pienso que galería Montecatini tiene una relación cercana con los creadores que apoya, y es aún en estos tiempos, de vital importancia. ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra? Creo que es importante partir del interiorizar, del experimentar sin temores para lograr cierto grado de autoconocimiento, el “por qué hago lo que hago”. Una vez teniendo ese grado de seguridad personal, buscar los espacios y medios que tengan mayor conexión con lo que creas. Por ejemplo, suele pasar que jóvenes artistas desean exponer en galerías de cierto renombre por el tema curricular que les proporciona, o por entrar en cierta elite. En sí a esto no le encuentro nada malo, pero a veces puedes estar perdiendo la oportunidad de que tu obra sea vista por muchas más personas y tener mayor impacto en el espectador siendo expuesta en las salas de una universidad, una institución o a la entrada de un teatro, donde además es mucho más fácil llegar e ir adquiriendo experiencia expositiva. ¿Cómo vendiste tu primera obra? ¿Hay alguna con la que sientas una mayor conexión? Estoy casi seguro que la primera obra vendida fue en México...

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La Crítica: Silvia Raquel Bregar
May26

La Crítica: Silvia Raquel Bregar

Nos llenamos la boca con la palabra «libertad», pero pocos saben qué significa realmente. Se puede vivir en un país presuntamente libre y ser las personas más sumisas, seguir los dictados de la masa para difuminarnos en ella y seguir creyendo, después de todo, que somos libres. Obstruir lo convencional, poner un muro a lo políticamente correcto y respirar aire limpio de polución consumista, así se teje una vida un poco más libre, así se puede hacer arte fresco e imaginativo. Como el de Silvia Raquel Bregar, una artista (libre) que vive su sueño de dedicarse por entero a la creación desde que llegó a Mallorca hace casi 10 años. Compradoras compulsivas Ese es el título que la artista argentina da a una de sus colecciones en la que aparece el sustancioso cuadro Las blogueras: seres altivos, peros grises y anémicos que estiran el cuello para cazar la última tendencia mientras computan los ‘me gustas’ de sus perfiles en redes sociales. Silvia Raquel exhibe en este lienzo algunos de los elementos que podemos encontrar en buena parte de sus obras: libertad compositiva, eclecticismo a nivel de estilo y temática variada. O dicho sin rodeos: hace lo que le apetece y cómo le apetece. Cuando empiezan, a muchos artistas les entran las prisas para encontrar un estilo propio y dar la campanada en el siempre endogámico mercado del arte. La artista argentina no tiene ese conflicto, no necesita convencer a nadie de su arte, nada más que a ella misma. A nosotros también nos convence Alta Tensión, otra obra de la colección, un lienzo con pintura acrílica que es toda una explosión de color y collage. Mensajes y ciudades En 2013, Silvia Bregar expuso su colección Mensajes y Comunicación en la sala Raquel Forner del consulado argentino de Mallorca. A esta colección pertenecen obras como Ellas, trabajan la calle, otra obra de denuncia en la que el color, la textura y el collage vuelven a ser protagonistas. Y qué decir del estrépito cromático de Primavera: una lengua de color que atraviesa una superficie gris salpicada de garabatos blancos. Más interesante, quizás por su concisión temática, resulta la serie Ciudades. La nostalgia y la ternura son las notas emocionales de estos cuadritos de pequeños formato en los que la argentina pinta acrílico sobre tabla y lienzo. Es la propia Silvia Raquel la que prepara los soportes para «poder expresar con libertad la fuerza de las texturas». Esta riqueza táctil de algunas de las obras de la artista argentina es una de sus virtudes, como vemos en Ciudad 1 o Ciudad 2. La pintora afincada en Mallorca también nos logra enternecer gracias...

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Desde mi taller: Eva Villalba Vega
May23

Desde mi taller: Eva Villalba Vega

Nací en Sevilla en 1972. Me licencié en Bellas Artes en la especialidad de conservación-restauración de obras de arte en la Universidad de Sevilla en 1996. He trabajado alternando la pintura con la restauración desde que acabé la carrera y me siento afortunada por haber podido ejercerla. Durante estos años he estado en continuo aprendizaje tocando disciplinas como la delineación, el escaparatismo, el diseño de interiores, decoración de muebles, diseño asistido por ordenador, y sobre todo fotografía. Ésta, además de ser una herramienta de trabajo, ha estado muy presente en mi obra. Actualmente estoy ejerciendo como monitora de pintura, transmitiendo tanto a niños como adultos el amor al arte. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? Aunque desde que nací prácticamente ya me gustaba un papel y un lápiz, mi experiencia con la pintura comenzó cuando veía a mi padre pintar en sus ratos libres, con tan solo 9 o 10 años. Sentada a su lado aprendí el manejo de la técnica al óleo, y me inculcó el amor y la pasión que siento por ella. ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas?  Colaborando y llegando a un acuerdo que beneficie a los dos. La mejor manera de obtener un beneficio individual, es siempre unirse para un beneficio colectivo. La unión hace la fuerza, y no es una frase banal. ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra? En primer lugar les diría que hiciesen una selección de su obra, aquella que les identifique, les llene, aquella que realmente, en definitiva, les represente. Aquella que muestre lo mejor de ellos. ¿Cómo vendiste tu primera obra? ¿Hay alguna con la que sientas una mayor conexión? La primera obra que vendí la recuerdo como si fuese ayer, en el 1993. No fue en una galería concretamente, sino en un bar/galería donde ofrecían a artistas noveles la posibilidad de exponer. Un tema poco comercial, la estación de tren de Sta. Justa de Sevilla, recién estrenada y realizada gracias a la Exposición Universal del 92. A lo largo de mi trayectoria he sentido cierta conexión con alguna que otra obra, pero si tuviese que elegir alguna me quedo con Inocencia Rota, una obra que vendí ya hace tiempo y que sentí grandes satisfacciones al realizar. ¿Qué es el arte para ti? ¿Qué papel juega en tu vida? ¿Vives del arte? El arte es mi vida, he nacido para él y moriré con él. Lucho a diario por transmitir todo lo que tengo en mi interior y que otros puedan disfrutar de mis trabajos tanto como yo. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? ¿Te identificas con algún otro artista? Mi...

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La Crítica: Jinsheng You
May09

La Crítica: Jinsheng You

La abrumadora producción de Jinsheng You se degusta con placidez: paisaje en vertiente romántica, fantástica o postimpresionista; bodegones y flores, con especial pasión por los nenúfares; y cuadros abstractos en los que parece descomponer las formas de sus paisajes y bodegones jugando con los colores y la luz. El paisaje de Jinsheng You El XIX fue la época dorada del paisaje. Por fin, este género se ganó el favor de críticos y diletantes que, hasta ese momento, lo veían como un género de segunda categoría. Turner o Constable en el Reino Unido, Friedrich en Alemania o Corot en Francia mostraron el camino que luego seguirían (a su manera) los impresionistas. Jinsheng You no pierde de vista a los grandes maestros del XIX en sus paisajes realistas. Con un toque romántico que lo emparenta a nivel emocional con el paisajismo británico, el artista chino convierte a la naturaleza en un tótem al que alabar. Sus series Splendid Snow Mountain, Dawn of the Lake o Winter Morning son una buena muestra de este paisaje melancólico, ensoñador y crepuscular. El uso de los dorados y el estudio de los reflejos en el agua recuerdan, en buena medida, a Turner. Pero Jinsheng You no piensa detenerse en su reinterpretación del Romanticismo. Sus series When Spring Comes o Summer in the Village cambian de estilo para experimentar con el postimpresionismo. Es entonces cuando el joven artista asiático se viste de Van Gogh, Cezanne o Gauguin y nos entrega un paisaje menos emocional y más plástico en el que dominan los tonos verdes y la bidimensionalidad. Y un detalle: una pequeña figurita, a menudo vestida de rojo, es la nota figurativa común en muchos de estos paisajes. Por último, dentro del género paisajístico, Jinsheng You sorprende con una serie menos académica y más personal: el paisaje fantástico de su serie Wonderland. Casi siempre protagonizados por animales blancos como corderos o caballos, en Wonderland encontramos desde el paisaje clásico de cierto aire romántico hasta el paisaje onírico lindando ya con la abstracción. Un mundo de maravilla en el que el artista chino da rienda suelta a su imaginación. Nenúfares Resulta inevitable referirse a Monet cuando vemos un cuadro de nenúfares. A buen seguro que Jinsheng You se ha acercado al Museo de la Orangerie (y si no lo ha hecho, lo hará) para deleitarse con los nenúfares más famosos de la historia del arte. El pintor asiático coincide con el viejo Monet en acudir a un motivo que ofrece al pintor la posibilidad de estudiar la luz y el color en un escenario de sabor onírico. Un nenúfar flotando en el agua, entre bruma y recuerdos,...

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Desde mi taller: Gonzalo Sáez Díaz-Merry
May03

Desde mi taller: Gonzalo Sáez Díaz-Merry

Nací en Madrid y siempre he vivido en Madrid, aunque he procurado viajar bastante, tanto por toda España como por buena parte de Europa o incluso Tailandia. Soy licenciado en Historia del Arte (siempre tengo que añadir “no Bellas Artes”) y durante la carrera realicé unos cuantos cursos de Diseño, Diseño Gráfico, Escaparatismo, e incluso de Guía Turístico. Al terminar la carrera trabajé como guía acompañante, pero pronto pasé a trabajar como diseñador gráfico especializado en punto de venta. De esto hace ya casi veinte añitos, y a día de hoy sigo trabajando como diseñador. Estoy casado y tengo dos hijos con una imaginación desbordante. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? Siempre he pintado. De pequeño estaba en un equipo de fútbol pero prefería quedarme en el banquillo dibujando a salir a jugar. En el colegio me regañaban porque no paraba de dibujar en todas partes, en los cuadernos, en los libros de texto, en la mesa, en los exámenes. Estuve en varias academias de dibujo, pero nunca duraba mucho. Me aburría con tanto método, prefería experimentar y dejarme llevar. ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas? Deberían apostar más por nombres desconocidos, mirar más la obra que el nombre o el currículum, arriesgar más y escuchar a su instinto. Entiendo que al final, una galería no deja de ser un negocio que hay que sacar adelante como sea, pero creo que las tarifas por exponer suelen ser muy elevadas si no eres un artista “consagrado”. Veo bastante lógico que el/la galerista se lleve una comisión por venta. Supongo que también falla bastante la difusión de las exposiciones, por lo general todo se queda en comunicárselo a un círculo de allegados, inauguración con vinito y picoteo y poco más. Para atraer más público se podrían hacer eventos paralelos a la exposición, charlas, master classes, encuentros con los artistas, conciertos, recitales, etcl. Algo que haga de la galería un espacio vivo. Hoy en día, con las redes sociales y la prensa digital, dar difusión a estos eventos es muy sencillo y se llega a un público casi infinito.  ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra? Exponer, exponer, exponer, donde sea (yo he expuesto en bares, en restaurantes, en peluquerías, andando por la calle, en centros comerciales, en centros culturales, en galerías, en hoteles,…), pero siempre con criterio, buscando clientela potencial, y con una colección bien cuidada y coherente. Ser muy pulcro en la presentación. ¿Cómo vendiste tu primera obra? ¿Hay alguna con la que sientas una mayor conexión? Mi primera exposición fue en una tienda de enmarcación y regalos de arte,...

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La Crítica: Fausti Adán
May03

La Crítica: Fausti Adán

Decíamos en la crítica de la obra de Bet Calderer que las miradas y los rostros son como una puerta que se abre hacia el alma. Nos gusta mirar a los ojos para descubrir más rápidamente qué esconde nuestro interlocutor. Los ojos son la vía de comunicación más directa, pero no la única… También está el movimiento y la actitud. La pintura de Fausti Adán investiga el gesto y el movimiento femenino. El rostro suele estar oculto o no expresa. En la obra de Adán, el detalle es que el que enseña. El arte del movimiento De nuevo, la danza: esa disciplina artística orgullosa, a menudo altiva, pero solitaria, melancólica e incomprendida. La danza, como la música, expresa sin señuelos, no necesita palabras bonitas ni imágenes impactantes, va directa al corazón… o no va. La danza, como la música, tiene ese punto de abstracción que requiere en el oyente o en el espectador un poco de actitud, debe abrirse para que el estímulo cumpla su propósito. Danza Roja y NYCDance son dos obras que tratan de atrapar la plasticidad del movimiento de una bailarina. En uno de ellos, la mujer está de espaldas, en el otro, el rostro está concentrado. Lo que impacta al espectador es la plasmación de ese instante de tensión en el que la bailarina alcanza el punto culminante de un paso. La levedad un cuerpo que expresa por sí mismo, sin aditamentos. En ambos óleos, Fausti Adán aplica la misma composición: el cuerpo ocupa el centro del cuadro, el rojo del vestido y la piel destacan ante un fondo neutro en tonos oscuros. El color utilizado genera una sensación de escorzo que ayuda a que el movimiento de la bailarina vibre y no se detenga. La mujer en el mundo, en la historia La historia la escriben los que ganan. Y los que han ganado (casi) siempre han sido hombres. La mujer siempre estuvo ahí, pero no ganaba, ni perdía; el juego no era para ellas (según los que hacían las reglas). Pero la historia va a cambiar, como sucede en Invictus: una mujer descansa tras la batalla, con la mirada perdida en la contienda y la sangre de los derrotados en las manos. En el tablero de la guerra, la mujer también juega. Invictus es una rareza en la producción de Fausti Adán, puesto que los ojos y los labios son el punto de fuga en el que converge el mensaje. En Japonesa, India o Mantra, el rostro vuelve a estar oculto y es la actitud y el gesto el que transmite la energía del cuadro. Japonesa es delicada. Mano y nuca desnudan un...

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