Carmen Laffón, la pintura costumbrista del siglo XX
May10

Carmen Laffón, la pintura costumbrista del siglo XX

Carmen Laffón es una de las pintoras y escultoras vivas en España que más éxitos ha cosechado en las últimas décadas. A pesar de que siempre tuvo la oportunidad de pintar ya que procede de una familia sevillana acaudalada, tuvieron que pasar varias décadas hasta que su estilo costumbrista llamara la atención de los grandes museos de arte. No fue hasta 1992 que se expuso parte de su obra en el Museo Reina Sofía. Es famosa por sus retratos de personajes famosos como Miguel Blesa o Don Juan Carlos de Borbón a pesar de que para ella, su verdadero arte siempre ha sido y será el paisaje.  Hacemos un repaso a la vida y obra de esta pintora sevillana. Breve análisis de la obra de la artista Es tan evidente el transcurso del tiempo y la evolución en la obra de Carmen Laffón que hay unas etapas muy marcadas en sus cuadros. Si bien es cierto que los retratos se mantienen durante toda su carrera y que estos apenas sufren alteraciones con respecto al corte realista requerido en esta clase de óleos, sus exposiciones marcan los pasos hacia la experimentación desde un costumbrismo muy personal, con evidentes influencias del impresionismo francés y del expresionismo alemán. Algunas de sus obras de madurez, especialmente las que realiza en el siglo XXI, son evidencias de su carácter marcadamente realista y de como ese realismo decimonónico ha mutado hasta convertirse en lo que hoy se denomina hiperrealismo y que, además, vuelve a estar de moda en las galerías de arte. Por supuesto, Laffón no se aleja de sus paisajes costumbristas de ese realismo empañado que se puede apreciar en sus últimas exposiciones, sobre todo en la exposición El paisaje y el lugar. En estas pinturas, su arte está tras un cristal húmedo. Es una de las referencias más fiables para saber si estamos viendo o no un cuadro de la autora. Entre las técnicas que la definen como artista se encuentran los tonos pastel, el óleo y el carboncillo y sus temáticas principales, además del retrato y el paisaje, son las naturalezas muertas y los objetos de tipo cotidiano. En resumen, la pintura costumbrista. Un recorrido por la obra de Carmen Laffón Si tienes interés en conocer la obra más relevante de Carmen Laffón, la encontrarás en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Meadows en Dallas, el Metropolitan Museum de Nueva York, la Fundación Juan March o en el Museo Provincial de Jaén. Obras de Laffón en el Museo Reina Sofía: En él encontrarás La Novia (1960), Coria del Río (1983-1985), Hojas y Sarmientos (2006-2007) y Cepas (2006-2007). Las dos primeras obras muestran una marcada...

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Pintoras vivas a las que seguir la pista en 2017
May09

Pintoras vivas a las que seguir la pista en 2017

El siglo XX trajo consigo una nueva generación de artistas y la consagración de otras que ya habían consolidado su carrera. Nos acercamos a algunas de las grandes promesas españolas y revisamos el caso de dos artistas vivas a las que seguir la pista y cuyas exposiciones a nivel internacional han deleitado a miles de amantes del arte de todo el mundo. Pintoras vivas a las que seguir la pista Lita Cabellut. Nacida en 1961, la artista de origen gitano destacó por su etnia durante sus primeros años de carrera, demostrando con el paso de los años que es una de las grandes pintoras vivas que existen. Recibió el Premio de Cultura Gitana y Artes Plásticas del Instituto de Cultura Gitana y en 2015 se la incluyó en la Artprice, catalogándola como una de las mejores artistas vivas en la actualidad. Su obra: Cabellut es famosa por sus pinceladas y uso del pigmento para desfigurar rostros y conseguir efectos muy intuitivos. Influida por Francis Bacon, según ella misma ha asegurado, ha ensalzado a las grandes leyendas femeninas del siglo XX en sus cuadros. Es el caso de las colecciones Frida, The Black Pearl y Coco, The Testimony of Black and White. Marlene Dumas. Esta pintora sudafricana es otra de las artistas vivas que no se pueden olvidar. Su estilo pictórico temerario y, en ocasiones, post-surrealista la convierten en una de las más rentables que actualmente reside en Ámsterdam. Ha sido galardonada con el Premio Schock en 2011 y tiene en su haber exposiciones en Nueva York y en el Centro Georges Pompidou (París), entre otros. Su obra: Su lugar de origen le influyó enormemente hasta el punto de que no es extraño que se describan en sus obras temáticas vinculadas a las identidades sexual y racial, haciendo especial énfasis en mostrar el cuerpo humano tanto a nivel físico como psicológico. Como ella misma aseguró: “no pondría uno de mis cuadros en el salón de mi casa”. Sus pinturas despiertan la inquietud del espectador y eso es justamente lo que la hace tan grande. 3 jóvenes promesas a las que seguir la pista en 2017 Vicky Uslé. Nacida en Santander en 1981, Uslé es una artista precoz que expuso por primera vez en 2009 con 28 años y que, en la actualidad, posee en su haber los galardones Premio Casa Velázquez de Tentaciones de Feria Estampa 2009 y ha conseguido la Beca de Producción de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid en 2010. Su obra: Si quieres conocer más acerca de Vicky puedes hacerlo en su exposición “El llano Múltiple”. Almudena Lobera: Formada en Alemania y en Brasil, entre otros lugares, Almudena Lobera es una prometedora pintora de...

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8 películas sobre pintores para estudiantes de Bellas Artes
Mar31

8 películas sobre pintores para estudiantes de Bellas Artes

“Lo que busco no es la realidad ni la irrealidad, sino el inconsciente…” -Amedeo Modigliani. El acto de apartar la escena cinematográfica de lo que se considera arte es como tratar de separar la vida de la muerte. Una acción inútil y que desmerecería al séptimo arte y a todas las disciplinas artísticas en conjunto. En su momento, el cine fue el descendiente directo de la fotografía y como tal tenía que estar ligado a la pintura de la que, al fin y al cabo, era familiar lejano. Hoy en día las artes escénicas nos parecen tan ajenas a las pictóricas que tendemos a separarlas y destacar unas con respecto a otras pero hay una realidad que va más allá de toda valoración subjetiva: somos hijos del cine. Da igual cuantos libros leamos o escribamos, cuantas pinturas creemos porque siempre pensaremos en las mil y una imágenes vistas en el cine cuando lo hagamos. Y es que el arte no debería estar cortado por el patrón de la definición, sino por la amplitud de la holística artística.  El arte inspirador en  8 películas sobre pintores imprescindibles Si has empezado a estudiar Bellas Artes, es muy probable que ya hayas visto algunos de los largometrajes que siguen o es probable que puedas añadir otros que no están en esta lista. En todo caso el objetivo de este artículo es tan fácil de adivinar que simplemente hay que añadir: ¡Vive el arte como lo vivimos en Artelista! 1. Klimt El pintor austriaco es uno de los más famosos en Europa y, posiblemente, la principal atracción del Museo Belvedere (Viena). Basado en la vida del artista, este largometraje lo protagoniza el inmenso John Malkovich en el papel del controvertido artista. La película está dotada de una personalidad obsesiva y obsesionada con el cuerpo femenino. Gustav Klimt vivió una vida relativamente acomodada a pesar de su carácter, que fue lo que le condenó sin haber muerto aún. 2. Frida Salma Hayek ya se había labrado una carrera cinematográfica cuando decidió protagonizar Frida. El largometraje abarca desde los años de instituto de Frida Kahlo hasta los últimos momentos de su vida aunque obvia interesantes pasajes que vivió con Chavela Vargas. Cosas de Hollywood. La pintora surrealista fue la primera en descubrir los beneficios que el arte tiene cuando se padece de una enfermedad física, pero no por la eliminación del dolor externo, sino por el poder anestésico del sufrimiento emocional. Hoy en día puedes visitar la Casa Museo de Frida Kahlo en México D.F. y, además, hay numerosas exposiciones itinerantes en museos de fama internacional como el MoMA (Nueva York) o el Pompidou (París). 3. Renoir A diferencia...

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Las pinturas perdidas en la Segunda Guerra Mundial
Mar29

Las pinturas perdidas en la Segunda Guerra Mundial

La sucesión de conflictos armados a principios del siglo XX dejaron al descubierto una Europa en ruinas que debía empezar de cero. Después de la Segunda Guerra Mundial habían desaparecido cientos de obras de arte desde diferentes frentes. Y es que en mitad de un conflicto bélico, el dinero pierde su valor y solo las obras de arte o las joyas mantienen su canon de riqueza. Como resultado, las pinturas perdidas en la Segunda Guerra Mundial se extraviaron para siempre. Acompáñanos en nuestro repaso de las obras perdidas. 51 joyas que se perdieron en el olvido en Alemania No hace mucho tiempo, El Bode obsequió a los amantes del arte con un museo online en dónde se pueden observar algunas fotografías del medio centenar de joyas del arte que se prevé que se perdieron durante la Seguna Guerra Mundial. Entre ellas, pinturas de Caravaggio, Van Dyck, Rubens o Zurbarán que hoy puedes disfrutar en un recorrido multimedia por un museo ficticio en el que se han incluido imágenes de las obras de arte. Piezas de arte europeo robadas por los nazis (y recuperadas) Una guerra puede convertirse en una verdadera tragedia para el arte, máxime si parte de la ideología que la sustenta se basa en la xenofobia. Al igual que se quemaron cientos de libros durante este pasaje oscuro de la historia, la pintura pasó a ser un bien oculto. Sucede en el caso de la cámara de Ámbar, una de las obras más espléndidas de Andreas Schüter. ¿Quieres conocer algunos de los cuadros que se perdieron pero que fueron recuperados después de la guerra? El astrónomo de Johannes Vermeer Genial autor de maravillas tan famosas como La Joven de la Perla, fue muy admirado por Adolf Hitler quién no dudó en quedarse con la obra en cuanto pudo y añadirla al Museo del Führer. Dónde ver El Astrónomo En la actualidad, este cuadro se encunetra a buen recaudo en el Museo del Louvre (Francia). Plaza de la Concordia de Edgar Degas Hay quién se enamoró de Degas por sus bailarinas y otros no pudimos abandonarlo nunca más después de visitar su universo vaporoso y repleto de texturas que invitaban a soñar. A pesar de tratar la realidad más sencilla siempre supo crear una visión onírica en mitad de la vigilia. Dónde ver Plaza de la Concordia A día de hoy está ubicado en el Museo del Hermitage. Fundación E.G de Bührle Interesado en el arte fue uno de los grandes beneficiados de la Segunda Guerra Mundial. Durante el conflicto creó la que fue una de las más importantes galerías privadas. Pasada la guerra, tuvo que devolver más de una docena de pinturas que...

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La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos
Feb17

La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos

Si nuestra intención es descubrir el medio natural de la psicología del arte tendremos que viajar hacia el pasado, cien años atrás, para conocer la vida y obra de Lev Vigotski, el primer escalón de una revolución del arte en el entorno académico que se consumaría décadas después con el reconocimiento de las artes como medios necesarios para la humanidad en conjunto y no solo para una oligarquía artística. Fue en 1920, en la Rusia postrevolucionaria.  Por aquel entonces, Vigotski ya había perfilado la que sería su gran obra iniciática de la que habalaremos más adelante. Para este psicólogo vanguardista, el trabajo había sido el medio que había permitido la evolución desde un punto de vista sociohistórico por lo que la cultura y la riqueza del ser humano radicaban en la ocupación entendida como medio para sentirse más plenos. Para él, la máxima expresión de la civilización era la cultura y el arte.   La máxima expresión de la civilización es la cultura y el arte, para Vigotski. En sus análisis y ensayos, el axioma primordial es la complementariedad de la técnica con la creatividad. Como reconocería él mismo: “todos podemos tener un Rafael dentro de nosotros pero sin las técnicas ni los progresos relacionados, sin una división del trabajo concreta o una organización de la sociedad puede que nunca llegara a desarrollar su potencial”. La psicología del arte de Vigotski Entre 1915-22 escribió su ensayo más conocido. La tesis doctoral sobre Psicología del arte que sentaría un precedente en el ámbito psicológico. Esta obra fue tan polémica en su tiempo porque, por primera vez ,se apelaba al término “inconsciente” para definir el aspecto esencial del arte. Vigotski era consciente del carácter desconocido e incomprensible que tenían los elementos del arte, en su génesis antipragmática. El arte no era útil ni práctico desde una perspectiva Maslowniana. No era una necesidad vital pero, ¿Era acaso una necesidad básica? ¿Era necesario el arte para vivir bien aunque no sea imprescindible para la supervivencia humana? A diferencia de la mayoría de los postulados del psicoanálisis, esta teoría no equiparaba el arte con los procesos inconscientes oníricos sino que el arte se alzaba como un medio para abrirse paso hacia el subconsciente latente del ser humano en plena vigilia. Para Vigotski, la creación artística era “una sublimación de la energía sexual que derivaba hacia la creación en vez de hacia los instintos directamente sexuales”. No estaba tan errado ya que recientemente se ha descubierto que la pintura es una actividad que libera dopamina (es la hormona que proporciona la sensación de recompensa y que está vinculada a la mayoría de las adicciones, incluido...

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