8 películas sobre pintores para estudiantes de Bellas Artes
Mar31

8 películas sobre pintores para estudiantes de Bellas Artes

“Lo que busco no es la realidad ni la irrealidad, sino el inconsciente…” -Amedeo Modigliani. El acto de apartar la escena cinematográfica de lo que se considera arte es como tratar de separar la vida de la muerte. Una acción inútil y que desmerecería al séptimo arte y a todas las disciplinas artísticas en conjunto. En su momento, el cine fue el descendiente directo de la fotografía y como tal tenía que estar ligado a la pintura de la que, al fin y al cabo, era familiar lejano. Hoy en día las artes escénicas nos parecen tan ajenas a las pictóricas que tendemos a separarlas y destacar unas con respecto a otras pero hay una realidad que va más allá de toda valoración subjetiva: somos hijos del cine. Da igual cuantos libros leamos o escribamos, cuantas pinturas creemos porque siempre pensaremos en las mil y una imágenes vistas en el cine cuando lo hagamos. Y es que el arte no debería estar cortado por el patrón de la definición, sino por la amplitud de la holística artística.  El arte inspirador en  8 películas sobre pintores imprescindibles Si has empezado a estudiar Bellas Artes, es muy probable que ya hayas visto algunos de los largometrajes que siguen o es probable que puedas añadir otros que no están en esta lista. En todo caso el objetivo de este artículo es tan fácil de adivinar que simplemente hay que añadir: ¡Vive el arte como lo vivimos en Artelista! 1. Klimt El pintor austriaco es uno de los más famosos en Europa y, posiblemente, la principal atracción del Museo Belvedere (Viena). Basado en la vida del artista, este largometraje lo protagoniza el inmenso John Malkovich en el papel del controvertido artista. La película está dotada de una personalidad obsesiva y obsesionada con el cuerpo femenino. Gustav Klimt vivió una vida relativamente acomodada a pesar de su carácter, que fue lo que le condenó sin haber muerto aún. 2. Frida Salma Hayek ya se había labrado una carrera cinematográfica cuando decidió protagonizar Frida. El largometraje abarca desde los años de instituto de Frida Kahlo hasta los últimos momentos de su vida aunque obvia interesantes pasajes que vivió con Chavela Vargas. Cosas de Hollywood. La pintora surrealista fue la primera en descubrir los beneficios que el arte tiene cuando se padece de una enfermedad física, pero no por la eliminación del dolor externo, sino por el poder anestésico del sufrimiento emocional. Hoy en día puedes visitar la Casa Museo de Frida Kahlo en México D.F. y, además, hay numerosas exposiciones itinerantes en museos de fama internacional como el MoMA (Nueva York) o el Pompidou (París). 3. Renoir A diferencia...

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Las pinturas perdidas en la Segunda Guerra Mundial
Mar29

Las pinturas perdidas en la Segunda Guerra Mundial

La sucesión de conflictos armados a principios del siglo XX dejaron al descubierto una Europa en ruinas que debía empezar de cero. Después de la Segunda Guerra Mundial habían desaparecido cientos de obras de arte desde diferentes frentes. Y es que en mitad de un conflicto bélico, el dinero pierde su valor y solo las obras de arte o las joyas mantienen su canon de riqueza. Como resultado, las pinturas perdidas en la Segunda Guerra Mundial se extraviaron para siempre. Acompáñanos en nuestro repaso de las obras perdidas. 51 joyas que se perdieron en el olvido en Alemania No hace mucho tiempo, El Bode obsequió a los amantes del arte con un museo online en dónde se pueden observar algunas fotografías del medio centenar de joyas del arte que se prevé que se perdieron durante la Seguna Guerra Mundial. Entre ellas, pinturas de Caravaggio, Van Dyck, Rubens o Zurbarán que hoy puedes disfrutar en un recorrido multimedia por un museo ficticio en el que se han incluido imágenes de las obras de arte. Piezas de arte europeo robadas por los nazis (y recuperadas) Una guerra puede convertirse en una verdadera tragedia para el arte, máxime si parte de la ideología que la sustenta se basa en la xenofobia. Al igual que se quemaron cientos de libros durante este pasaje oscuro de la historia, la pintura pasó a ser un bien oculto. Sucede en el caso de la cámara de Ámbar, una de las obras más espléndidas de Andreas Schüter. ¿Quieres conocer algunos de los cuadros que se perdieron pero que fueron recuperados después de la guerra? El astrónomo de Johannes Vermeer Genial autor de maravillas tan famosas como La Joven de la Perla, fue muy admirado por Adolf Hitler quién no dudó en quedarse con la obra en cuanto pudo y añadirla al Museo del Führer. Dónde ver El Astrónomo En la actualidad, este cuadro se encunetra a buen recaudo en el Museo del Louvre (Francia). Plaza de la Concordia de Edgar Degas Hay quién se enamoró de Degas por sus bailarinas y otros no pudimos abandonarlo nunca más después de visitar su universo vaporoso y repleto de texturas que invitaban a soñar. A pesar de tratar la realidad más sencilla siempre supo crear una visión onírica en mitad de la vigilia. Dónde ver Plaza de la Concordia A día de hoy está ubicado en el Museo del Hermitage. Fundación E.G de Bührle Interesado en el arte fue uno de los grandes beneficiados de la Segunda Guerra Mundial. Durante el conflicto creó la que fue una de las más importantes galerías privadas. Pasada la guerra, tuvo que devolver más de una docena de pinturas que...

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La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos
Feb17

La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos

Si nuestra intención es descubrir el medio natural de la psicología del arte tendremos que viajar hacia el pasado, cien años atrás, para conocer la vida y obra de Lev Vigotski, el primer escalón de una revolución del arte en el entorno académico que se consumaría décadas después con el reconocimiento de las artes como medios necesarios para la humanidad en conjunto y no solo para una oligarquía artística. Fue en 1920, en la Rusia postrevolucionaria.  Por aquel entonces, Vigotski ya había perfilado la que sería su gran obra iniciática de la que habalaremos más adelante. Para este psicólogo vanguardista, el trabajo había sido el medio que había permitido la evolución desde un punto de vista sociohistórico por lo que la cultura y la riqueza del ser humano radicaban en la ocupación entendida como medio para sentirse más plenos. Para él, la máxima expresión de la civilización era la cultura y el arte.   La máxima expresión de la civilización es la cultura y el arte, para Vigotski. En sus análisis y ensayos, el axioma primordial es la complementariedad de la técnica con la creatividad. Como reconocería él mismo: “todos podemos tener un Rafael dentro de nosotros pero sin las técnicas ni los progresos relacionados, sin una división del trabajo concreta o una organización de la sociedad puede que nunca llegara a desarrollar su potencial”. La psicología del arte de Vigotski Entre 1915-22 escribió su ensayo más conocido. La tesis doctoral sobre Psicología del arte que sentaría un precedente en el ámbito psicológico. Esta obra fue tan polémica en su tiempo porque, por primera vez ,se apelaba al término “inconsciente” para definir el aspecto esencial del arte. Vigotski era consciente del carácter desconocido e incomprensible que tenían los elementos del arte, en su génesis antipragmática. El arte no era útil ni práctico desde una perspectiva Maslowniana. No era una necesidad vital pero, ¿Era acaso una necesidad básica? ¿Era necesario el arte para vivir bien aunque no sea imprescindible para la supervivencia humana? A diferencia de la mayoría de los postulados del psicoanálisis, esta teoría no equiparaba el arte con los procesos inconscientes oníricos sino que el arte se alzaba como un medio para abrirse paso hacia el subconsciente latente del ser humano en plena vigilia. Para Vigotski, la creación artística era “una sublimación de la energía sexual que derivaba hacia la creación en vez de hacia los instintos directamente sexuales”. No estaba tan errado ya que recientemente se ha descubierto que la pintura es una actividad que libera dopamina (es la hormona que proporciona la sensación de recompensa y que está vinculada a la mayoría de las adicciones, incluido...

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Maruxa Mallo, la pintora surrealista de la generación del 27
Feb14

Maruxa Mallo, la pintora surrealista de la generación del 27

La historia la había olvidado pero más de cien años después ha sido recuperada por la iniciativa llevada a cabo en la Biblioteca Pública Ánxel Casal de Santiago de Compostela. Gracias a esto, lees estas líneas hoy ya que, después de investigar, se llega a la conclusión de que esta magnífica artista lo fue desde el primer momento hasta el último de su vida (sin el reconocimiento adecuado). Nacida en Lugo en 1902, ha sido reconocida como la pintora de la Generación del 27 por excelencia, una artista que fue inspiración de poetas e inspirada por poetas. No es extraño que su manera de pintar sea tan lírica como lo fue su apasionante obra. Nos acercamos tanto a sus lienzos más representativos como a la persona que está detrás del arte. La obra de Maruxa Mallo: desde Lugo hasta el Reina Sofía Surrealismo, cubismo y expresionismo confluyeron en una de las artistas que están obteniendo más reconocimiento ahora del que lograron en toda su vida y, por supuesto, del que consigueron después de su muerte. En su obra se denota la ideología de la artista, sus preocupaciones y aversiones. Es el caso de la religión o la militarización, el rol de la mujer, la sociedad, la ideología política y la pobreza. Todo ello queda plasmado en obras como La Verbena (1927). En este óleo sobre lienzo muestra su devoción por el surrealismo y la sátira. Una curiosidad con respecto a esta pintura es que la muestra de la autora fue organizada por Ortega y Gasset.  Dos años después, exiliada en Argentina, contemplaría la que para ella sería la obra que definiría perfectamente lo que es el arte del pueblo. Se trata de su pintura al óleo Canto de Espigas (1929). Esta sería solo la primera de todas las obras que crearía en el país sudamericano ya que su exilio duraría un cuarto de siglo. De esta huida surgirían obras como Cloacas y campanarios (1932), una obra marcadamente surrealista que muestra la vertiente más macabra de la artista. También será la más oscura, la etapa de posguerra.  Su evolución entre obras como la anteriormente citadas hasta Airagu (1979) o Máscara tres-veinte (1979) es brutal hasta el punto de que su estilo marcadamente surrealista, primero, o tenebrista, después, se convierte en una obra rompedora, figurativa y simbólica. Del punto de partida con influencias de artistas como Picasso o Dalí, surge un Ave Fénix inimitable que diseña una miscelánea geométrica y colorista, un mejunje muy alejado del estilo barroco que la vio nacer como pintora. Su evolución se ha calificado por muchos como transgresora pero, desde luego, va más allá de la transgresión. Es un grito...

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William Blake, el artista pionero que murió pobre
Ene27

William Blake, el artista pionero que murió pobre

“El que se alimenta de deseos reprimidos, finalmente se pudre”. –  William Blake. Te conocí no hace ya tiempo, en un exposición abierta en Caixa Forum Madrid. Hasta ese momento, solo sabía que habías escrito poesía hacía un par de siglos y, desgraciadamente, ni siquiera estaba al tanto de este dato porque hubiera leído nada tuyo sino, más bien, porque un músico zaragozano te había incluido en uno de sus temas y me había interesado en la adolescencia por ese grupo y, por extensión, por ti. Fue en una de sus salas dónde contemplé a un visionario que puso sus manos sobre las llamas del infierno de Dante para mostrar algunos de los bocetos, grabados y acuarelas más estremecedores y extrañamente decimonónicos que había visto nunca. Hasta que descubrí que Blake había nacido a mediados del siglo XVIII no fui consciente de hasta qué punto el legado pictórico era tanto o más notable que su aportación a la poesía. Ahora es el momento de que tú también descubras a uno de los pioneros del arte del siglo XIX. El alumno de Durero, Miguel Ángel y Rafael Es casi imposible que la pintura del siglo XVIII estuviera desvinculada de la religión y, por supuesto, en el caso de William Blake (1757 – 1827) no habrá excepción alguna. ¿O si? A un universo propio del que ya da buena cuenta en su faceta poética se suma el gusto por dar una imagen del cristianismo bastante alejada de la virginal postura de sus predecesores. Blake explora la religión a través del simbolismo mediante un uso de la luz y el color que no tienen nada que envidiar a la de los pintores que vendrían después. Su pintura parte del manierismo para adentrarse en nuevos subterfugios y podemos atrevernos a decir que el grado de simbolismo alcanza cotas insospechadas que solo se volverán a ver a partir de finales del siglo XIX. En cierto modo, la ilustración del siglo XX es una revisión de las creaciones de grandes autores como Blake. Tampoco es difícil entender las primeras etapas de Picasso o del mismísimo Dalí después de haber contemplado una exposición completa del polifacético artista. William Blake en algunas pinceladas Ilustraba las publicaciones de otros pero nunca las suyas Nunca se lanzó a hacerlo con sus poemarios “Iluminados” y “No Iluminados”. Sin embargo, fue el ilustrador de Mary Wollstonecraft, Edward Young o John Milton. Gran parte de sus obras pictóricas tienen que ver con una promesa inacabada Más que una promesa era el sueño de Blake. Se trataba de ilustrar una edición de “La Divina Comedia” de Dante. Nunca la consiguió terminar debido a que...

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