La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos
Feb17

La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos

Si nuestra intención es descubrir el medio natural de la psicología del arte tendremos que viajar hacia el pasado, cien años atrás, para conocer la vida y obra de Lev Vigotski, el primer escalón de una revolución del arte en el entorno académico que se consumaría décadas después con el reconocimiento de las artes como medios necesarios para la humanidad en conjunto y no solo para una oligarquía artística. Fue en 1920, en la Rusia postrevolucionaria.  Por aquel entonces, Vigotski ya había perfilado la que sería su gran obra iniciática de la que habalaremos más adelante. Para este psicólogo vanguardista, el trabajo había sido el medio que había permitido la evolución desde un punto de vista sociohistórico por lo que la cultura y la riqueza del ser humano radicaban en la ocupación entendida como medio para sentirse más plenos. Para él, la máxima expresión de la civilización era la cultura y el arte.   La máxima expresión de la civilización es la cultura y el arte, para Vigotski. En sus análisis y ensayos, el axioma primordial es la complementariedad de la técnica con la creatividad. Como reconocería él mismo: “todos podemos tener un Rafael dentro de nosotros pero sin las técnicas ni los progresos relacionados, sin una división del trabajo concreta o una organización de la sociedad puede que nunca llegara a desarrollar su potencial”. La psicología del arte de Vigotski Entre 1915-22 escribió su ensayo más conocido. La tesis doctoral sobre Psicología del arte que sentaría un precedente en el ámbito psicológico. Esta obra fue tan polémica en su tiempo porque, por primera vez ,se apelaba al término “inconsciente” para definir el aspecto esencial del arte. Vigotski era consciente del carácter desconocido e incomprensible que tenían los elementos del arte, en su génesis antipragmática. El arte no era útil ni práctico desde una perspectiva Maslowniana. No era una necesidad vital pero, ¿Era acaso una necesidad básica? ¿Era necesario el arte para vivir bien aunque no sea imprescindible para la supervivencia humana? A diferencia de la mayoría de los postulados del psicoanálisis, esta teoría no equiparaba el arte con los procesos inconscientes oníricos sino que el arte se alzaba como un medio para abrirse paso hacia el subconsciente latente del ser humano en plena vigilia. Para Vigotski, la creación artística era “una sublimación de la energía sexual que derivaba hacia la creación en vez de hacia los instintos directamente sexuales”. No estaba tan errado ya que recientemente se ha descubierto que la pintura es una actividad que libera dopamina (es la hormona que proporciona la sensación de recompensa y que está vinculada a la mayoría de las adicciones, incluido...

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Declarar ingresos por la venta de tus obras
May17

Declarar ingresos por la venta de tus obras

Hoy en día, no es necesario crear tu propia web para poder ofrecer productos o servicios a través de internet y contar con unos ingresos extra. Puedes alquilar tu piso, compartir los gastos de un viaje en coche, vender productos de segunda mano…y por supuesto, vender tus obras de arte. En internet hay cabida para todo y el arte no es una excepción, de hecho, según el TEFAF 2016 Art Market report, las ventas de arte online crecieron un 7% con respecto al año anterior y ya suponen el 7% del total global de ventas de arte y antigüedades. En muchas páginas web, tanto empresas, como autónomos y particulares pueden ejercer una actividad económica, y siempre que recibamos ingresos estamos obligados a declarar estos ante la hacienda pública. Pero, ¿estás obligado a darte de alta como autónomo?, ¿qué modelo debes elegir si se trata de una venta puntual?, ¿qué información debes presentar? Si vendes una obra a través de Artelista, estamos seguros de que este artículo te será de ayuda (ATENCIÓN, esta información es solo válida para artistas residentes en territorio español). ¿Estoy obligado a darme de alta como autónomo para vender mis obras en Artelista? Si los ingresos que tienes por la venta recurrente de tus obras son iguales o superiores a 9172,80€ (el salario mínimo interprofesional anual fijado para 2016), te tienes que dar de alta en la Seguridad Social. Si no es así y las ventas no son habituales (que es uno de los requisitos para darte de alta como autónomo, junto con ser residente español) o no se llega a este valor mínimo fijado por el ministerio, puedes no estar dado de alta. Por otro lado, en el momento en que realizas una actividad económica, tienes que darte de alta en Hacienda. Si no estoy dado de alta como autónomo, ¿cómo puedo declarar estos ingresos? Al tratarse de una actividad económica a través de la cuál estás recibiendo ingresos (o un ingreso, ya que esto también aplica a una venta puntual), tienes que darte de alta en Hacienda y presentar el modelo 036. El Modelo 036 es solo un modelo informativo, donde indicas que vas a realizar una actividad económica de una lista de epígrafes (es una lista de todas las actividades). En ese modelo 036, también tienes que indicar si tu actividad esta sujeta a IVA o no y al estar dado de alta, ya puedes realizar ventas, y declararlas.     Por lo tanto, y a modo resumen, debes tener en cuenta que cualquier actividad profesional supone en alta en Hacienda siempre (y tendrás que presentar el modelo 036). Y solo si los ingresos (el precio por el que se vende...

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Consejos y técnicas para pintar acuarela
Dic22

Consejos y técnicas para pintar acuarela

“No caiga en la tentación de pintar simplemente un perfil para después rellenarlo”. Reza una de las primeras lecciones que el neófito pintor de acuarelas anota en su cuaderno. Y escribe dentro de él, a toda prisa, un completo recetario de formulaciones, contrastes y consejos aplicados desde tiempo inmemorial por los expertos. Poco más tarde, olvida el cuaderno. Poco más tarde, pierde el cuaderno. Y en su neófito extravío, otro novel paseante encuentra de nuevo el cuaderno. Y lo abre. Y allí siguen. Consejos y técnicas para pintar acuarelas. La acuarela es un medio ideal para plasmar todo tipo de objetos, desde un cielo plomizo de tormenta hasta el tono pasional de una petunia furibunda. De modo que no resulta extraño que muchos de los artistas la elijan como su primera opción. Incluso la más torpe infancia ha disuelto pigmentos en el agua y los ha extendido después sobre el papel. Ya de adultos, el acto nos provoca cierto rechazo si nunca hemos sido capaces de producir imágenes aceptables a ojos de los demás. La decepcionante afección sentimental de la experiencia del sobrecargo. Lección 1: el color. El dominio del color es crucial si se pretende triunfar como artista de acuarelas. A muchos les sorprende comprobar que sólo se precisa un pequeño número de pigmentos en la paleta para producir una amplia gama de colores. Sin duda, la mejor forma de familiarizarse con el amplio repertorio de efectos y tonalidades que la acuarela nos ofrece es tomar unas cuantas hojas de papel y dedicarse simple y llanamente a pasarlo bien haciendo experimentos. Conviene descubrir que la pintura posee de por sí una belleza inherente como vehículo de expresión, independientemente de que consiga o no crear imágenes reconocibles. En primer lugar, es importante aprender a manejar el exceso de líquido o “depósito” que se acumula en la parte inferior del papel tras cada pincelada. Esta es una regla fundamental para dominar el flujo de la pintura, un requisito indispensable si se pretende desarrollar esta técnica. Asimismo es aconsejable evitar unas pautas anotadas en el papel, al menos en las primeras tentativas de acercamiento, puesto que abordar la acuarela sin esquema previo estimula la manipulación expresiva del pincel. Lección 2: la mezcla en dosis recomendadas. Para conseguir un compuesto heterogéneo, en la acuarela se dispone de la técnica conocida popularmente como “húmedo sobre húmedo”. La cual consiste en aplicar el segundo color adyacente y en contacto con el primero con anterioridad al secado de aquél. En el caso de que no desee que los colores se precipiten por vertido, espere simplemente, esta vez sí, a que se sequen. Por otro lado,...

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Problemáticas de una exposición
Dic02

Problemáticas de una exposición

Es la hora. Han abierto las puertas. Hemos esperado pacientemente nuestro turno, mayor o menor en medida de la mediatización de los artistas expuestos, en medida también de la relevancia turística del museo o la galería. Pues bien, conscientes de nuestra espera y nuestro camino, al fin estamos allí. Estamos dentro. Las obras nos esperan ansiosas por despertarnos impresiones. En cambio, ¿cómo han llegado ellas? ¿qué viaje han seguido, en algunos casos incluso a través de siglos, para presentarse allí ante nosotros? ¿en qué condiciones han sobrevivido? ¿por qué están donde están? En el mundo del arte nada tiene tanto gancho para el público como las exposiciones. En la actualidad, éstas han ido caracterizándose cada vez más por su temporalidad. En un intento de convertirlas en un acontecimiento único y espectacular, dentro de una sociedad ansiosa por la novedad, ávida de urgencia y de consumo, los museos, desde el más suntuoso hasta el más modesto, han reconvertido buena parte de sus espacios en exhibiciones temporales para sobrevivir. Dicha posibilidad, en la que el arte se acerca al espectador ya que Mahoma no tiene previsto viajar a la montaña, es uno de los motivos de la eclosión de las exposiciones como fenómeno de masas. Como apuntaba Walter Benjamin: “acercar espacial y humanamente las cosas es una aspiración de las masas actuales”. Bien es conocido que los museos e instituciones artísticas más importantes, ya sea en su circuito principal, Nueva York-Frankfurt-Tokio; o entre las capitales europeas con mayor tradición artística, París, Londres, Madrid, Barcelona…, ejercen intercambios constantes cediéndose periódicamente parte de su fondo. No obstante, como decimos, este flujo no sólo sucede a gran escala sino que es ya una práctica generalizada incluso entre instituciones y exposiciones locales. De lo cual se deduce que no sólo el mantenimiento sino también la logística y distribución de las obras de arte se haya convertido en nuestros días en un problemática a tener muy en cuenta por los profesionales del ámbito. En este sentido, es importante atender a la exigencias mínimas en las condiciones técnicas en el que debería desarrollarse una exposición, ya sea en cuanto a climatización, iluminación o seguridad. Es indiscutible que los traslados y el carácter masivo de las exposiciones disparan el riesgo físico de una obra, de ahí que los seguros requeridos sean cada vez más altos, y las reticencias que de ello se desprenden. Este hecho hace replantear lo de adecuado de la proliferación en la exhibición de las colecciones históricas, muy a pesar del valor como función divulgativa de los museos. A este respecto hay que destacar además el hecho de que las grandes exposiciones estén siendo sustituidas...

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Consideraciones sobre el pincel
Nov30

Consideraciones sobre el pincel

No existe ninguna obra sin su pintor y no existe ningún pintor sin su pincel. Comencemos, si se nos permite, con esta obviedad. Una vez terminada la obra, los colores sobreviven en los lienzos y allí siguen siendo los protagonistas, en cambio, el vehículo de transmisión, la herramienta que materializa las formas imaginadas, expresando con sus movimientos las destrezas del artista, es el pincel. Aquel que es cómplice, que presta su fiel servicio y después calla ante el éxito y calla también ante el fracaso de lo reproducido, es un instrumento vital para pintor. Abordemos, pues, algunas consideraciones respecto a su elección y merecido cuidado. No exageramos al asegurar que el pincel es una de las herramientas más antiguas ideadas por el hombre. El estudio de su gestación nos ofrece testimonio prehistórico de unos primeros acercamientos confeccionados con tallos de plantas deshilachados, y ya durante el período Paleolítico tenemos constancia del uso de plumas de ave y mechones de pelo para los dibujos rupestres. Sabemos asimismo que en las pinturas de mural y sobre maderas egipcias, griegas y romanas, se empleaba junto al “cauterium” y el “caestum”, espátulas usadas por los pintores en encáustico, el “penicillus”, nombre latino del que deriva nuestra palabra pincel. Conocemos, por otro lado, que los escribas y pintores de Irán, India y China usaron desde muy pronto el pincel. Sin ir más lejos, los pinceles chinos de bambú, que son empleados todavía hoy, no han variado significativamente su construcción ni su forma con el paso de los siglos. Avanzado el XVII, el aprendiz de pintor de los talleres europeos aún aprendía a atar sus propios pinceles al mismo tiempo que se le enseñaba a moler los pigmentos. Y no sería hasta unos pocos años más tarde cuando aparecieron las primeras manufacturas de pinceles para pintura. Debemos situamos a finales del siglo XVIII para encontrar al pintor europeo utilizando pinceles que no había fabricado él mismo sino que había comprado a un artesano. Aparecía de esta forma un nuevo oficio, el de fabricante de pinceles, ahora con su propio taller, como consecuencia de la especialización y racionalización tendente a la división del trabajo. La principal función del pincel es almacenar una cierta cantidad de pintura y permitir extenderla de la forma deseada, preferiblemente afilada, en el caso de la pintura al óleo, o ancha y difuminada como sucede frecuentemente en la acuarela. El modo en que un pincel lleva a cabo estas tareas depende evidentemente del tipo y calidad del material así como de las propiedades de las pinturas utilizadas. Este cometido principal de capacidad de almacenaje será tanto mejor cuanto más largas sean las...

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Tutorial: tasación de obras
May25

Tutorial: tasación de obras

Una de las tareas que pueden resultar más tediosas para muchos artistas noveles y muchos otros con cierta experiencia es la de tasar sus obras. Es muy importante tener en cuenta en todo momento que el mercado del arte no deja de ser un mercado y que, pese a su fama de inmutable y de que el arte es una buena inversión; está sujeto a las fluctuaciones de la economía global, por lo tanto, los precios también deben adaptarse a estos movimientos. Ponerle precio a una creación artística puede ser complicado así que a continuación proponemos algunos métodos de tasación para facilitar el trabajo a aquellos que le encuentren alguna dificultad.   Artistas con obras vendidas Aquellos artistas que ya hayan vendido alguna obra lo tienen más fácil a la hora de tasar sus piezas, pues ya tienen referencias de ventas anteriores. -Pueden usar esos precios para crear una relación basada en el tamaño, es decir, si anteriormente vendieron un lienzo de 100 x 150 cm por 500€ y ahora están creando una obra de 50 x 75 cm (mitad de tamaño) con los mismos materiales y de temática/estilo parecida, el precio deberá rondar los 250 € y no debería sobrepasar los 500€. -Los artistas con cierto recorrido también deberán tener en cuenta su productividad, es decir, si crean una obra al día o una cada tres meses. Si un artista puede crear muchas obras y, por lo tanto, tiene una oferta considerable, puede permitirse rebajar el precio mucho más que aquellos que tienen un proceso de creación más largo. –Diversificar los rangos de precios. Para facilitar el acceso a un mayor número de coleccionistas y compradores, es interesante crear obras de distintos tamaños y precios, pues puede haber interesados en el estilo de un artista en concreto pero que no pueden adquirir una obra por motivos económicos o por falta de espacio; por lo tanto, podrían estar interesados en comprar obras de menor tamaño y, consecuentemente, menor precio.   Artistas noveles Los artistas que tasan su obra por primera vez tienen varias opciones a la hora de poner precio a sus piezas: –Comparación. Hoy en día resulta fácil realizar un pequeño estudio de mercado para saber a qué precio venden los artistas de características similares a las tuyas, así que se pueden fijar precios parecidos. –Tiempo invertido. Esta es una forma de calcular el precio de las obras bastante útil pues automatiza bastante el proceso. Se trata de usar una fórmula muy simple que aúna el coste de los materiales y el tiempo invertido en la creación de la pieza. Precio = coste materiales + (precio/hora   x    horas...

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