Arte y cine, una combinación perfecta
Jul20

Arte y cine, una combinación perfecta

El séptimo arte siempre ha tenido un gran interés por el arte y por los artistas. En este artículo vamos a hacer un recorrido por algunas de las películas centradas en la vida de maestros universales del como El loco del pelo rojo (1956), Mr. Turner (2014), Pollock (2000) o Shirley. Visiones de la realidad sobre la obra de Edward Hopper. También son interesantes aquellas en las que el arte tiene un papel principal en la trama como La mejor oferta (2013), La dama de oro (2015), Big Eyes (2014) o Midnight in Paris (2011). Una de las más famosas es El loco del pelo rojo protagonizada por los actores Kirk Douglas y Anthony Quinn, que cuenta la vida del famoso pintor impresionista Vincent Van Gogh. Una película que ha disfrutado de un gran éxito y que retrató la atormentada vida del pintor a partir de su obra. Una cinta de 1956 dirigida por Vicent Minelli y que contó con un excelente guión de Norman Corwin basado en la novela homónima de 1934 escrita por Irving Stone. Una película que va contando a través de la vida y la obra la ansiedad, la sensación de fracaso y la soledad que lo llevaron, finalmente, a la locura. Una vida compleja que comienza con sus primeros años como predicador en las regiones mineras de Bélgica hasta su contacto con los pintores impresionistas ubicados en París. Además se centra en sus inestables relaciones amorosas y el complejo vínculo afectivo que con su hermano Theo, que le ayudó durante toda su vida tanto como apoyo emocional, y como sustento económico para que Vincent pudiera sobrevivir como pintor. Lo más interesante es que se supo rodear de otros artistas como Seurat, Monet, Pissarro o su mejor amigo Paul Gauguin, interpretado por Anthony Quinn, que sería premiado con el premio Óscar al mejor actor de reparto. Otra película interesante es Mr. Turner una coproducción británico-franco-alemana del 2014, escrita y dirigida por Mike Leigh y protagonizada por Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey y Paul Jesson. Se trata de una biografía sobre el excéntrico pintor británico J.M.W Turner (1775-1851), ilustre miembro de la Royal Academy of Arts. Un curioso pintor que  vive con su padre y su fiel ama de llaves y aunque lleva una vida acomodada rodeado de aristócratas, visita burdeles y viaja frecuentemente en busca de inspiración. Un artista que sufrió las burlas del público y el sarcasmo de la sociedad. Tras la muerte de su padre, su vida cambia cuando conoce a Mrs. Booth, propietaria de una pensión familiar a orillas del mar. La película se estrenó en la competición por la Palma de oro en el Festival de Cannes 2014,  donde Timothy Spall ganó el premio a Mejor actor y el fotógrafo Dick Pope recibió...

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Llega al Museo del Prado la primera muestra monográfica del Bosco en España
Jun07

Llega al Museo del Prado la primera muestra monográfica del Bosco en España

Hasta el 11 de septiembre se puede disfrutar en el Museo del Prado de Madrid la primera muestra monográfica que se le dedica en España a El Bosco. Una exposición que se ha organizado para conmemorar el V centenario de su fallecimiento y que cuenta con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA. Todo un acontecimiento porque cuenta con la colección del Museo del Prado, la más numerosa y mejor del mundo y que incluye obras maestras como El jardín de las delicias, el Carro del Heno o la Adoración de los Magos. A ellas se suman el Camino del Calvario de El Escorial -una obra que, gracias a la generosidad de Patrimonio Nacional, se traslada desde la muestra “El Bosco en El Escorial” para unirse la magna exposición del Museo del Prado- y San Juan Bautista de la Fundación Lázaro Galdiano, uno de los mejores frutos del afán coleccionista de don José Lázaro. Junto a estas obras, los préstamos procedentes de Lisboa, Londres, Berlín, Viena, Venecia, Rotterdam, París, Nueva York, Filadelfia o Washington, entre otras ciudades, hacen de esta muestra un acontecimiento único para sumergirse en el imaginario de uno de los pintores más fascinantes del arte universal. Para la ocasión se ha creado un espectacular montaje donde se reúne más de medio centenar de obras, entre ellas 21 pinturas y 8 dibujos originales del Bosco, que constituyen más del setenta y cinco por ciento de su producción conservada, así como grabados, relieves, miniaturas y pinturas de otros autores que contextualizan el ambiente en que estas se concibieron. Dado el carácter monográfico de la muestra, y ante la dificultad que plantea fijar su cronología, se ha distribuido su producción en seis secciones temáticas: Infancia y vida pública de Cristo, Los santos, Del Paraíso al Infierno, El jardín de las delicias, El mundo y el hombre: Pecados Capitales y obras profanas, y La Pasión de Cristo.  La exposición incluye asimismo obras realizadas en el taller del Bosco o por seguidores a partir de originales perdidos. Otro grupo de obras, entre las que figuran pinturas, miniaturas, grabados a buril de Alart du Hameel, relieves de Adrien van Wesel y el manuscrito del Comentario de la pintura de Felipe de Guevara, permitirá entender mejor el ambiente en el que se gestaron las pinturas del Bosco o la personalidad de alguno de sus patronos como Engelbert II de Nassau. Además, el Museo del Prado, pionero en el estudio técnico de la pintura del Bosco, ha vuelto a analizar sus obras sirviéndose de los últimos avances. Otra novedad es que los visitantes de esta exposición El Bosco. La exposición del V centenario podrán contemplar parte de los resultados de...

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Ernst Fuchs, el Dalí alemán
Jun06

Ernst Fuchs, el Dalí alemán

Ernst Fuchs (Viena 1930 – 2015) destacó pronto por su virtuosismo en el dibujo. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estableció contacto con sus futuros compañeros de la Escuela Vienesa de Realismo Fantástico. A lo largo de su trayectoria artística experimentó con una gran diversidad de técnicas y llegó a realizar trabajos de arquitecto y compositor. Estudió profundamente las raíces iconográficas y simbólicas de la cultura occidental partiendo de la tradición judaica y de las técnicas utilizadas a lo largo de la historia del arte a partir de su propia experimentación artística. Elaboró un lenguaje propio que destaca por una visión muy personal de algunos símbolos culturales, generalmente hebraicos y nórdicos, reinterpretando figuras mitológicas como la esfinge y el unicornio, entre otros. Tuvo como referentes antiguos a El Bosco, Matthias Grünewald o Pieter Brueghel, y otros de más modernos como Jean Cocteau, Max Ernst y Salvador Dalí. Cabe destacar la especial relevancia que este último tuvo en la obra de Fuchs. Su estilo se podría considerar como una mezcla entre Surrealismo, Simbolismo y tradición figurativa, con una fuerte presencia religiosa y mística. Tomó para él mucha importancia la belleza femenina, la representación de monstruos y, especialmente, la iconografía religiosa. Se puede apreciar un fuerte gusto por la línea decorativa y los ornamentos modernistas. Sus fuentes de inspiración eran básicamente literarias, como los Cuentos de Hoffmann, las Leyendas Artúricas y, evidentemente, la Biblia. Sus primeros trabajos de la década de los 50 destacaron por el carácter apocalíptico y catastrófico que surgía del contexto post-bélico y la desolación de Occidente. Representaba cuerpos corroídos por la hambruna, la putrefacción y las deformaciones. También encontramos referencias a los campos de concentración. En esta época, sus obras tuvieron una fuerte base religiosa. A partir de los 60, sus obras dejaron de tener un formato miniaturista y pasaron a ser más monumentales. Es en estas obras en las que muestra su particular reinterpretación de las arquitecturas de las civilizaciones antiguas. En 1978 inició una nueva fase caracterizada por el uso de tonalidades más claras y composiciones menos complejas. Empezó a interesarse y reflexionar acerca de la mitología germánica y empezó a crear series relacionadas con la leyenda de Lohengrin. También fue a partir de este momento cuando empezó a diversificar su creación artística, diseñando el vestuario para algunas óperas wagnerianas y esculturas de gran formato. También experimentó con la arquitectura aplicando su visión fantástica a un hotel y a una iglesia, culminando estos experimentos en la decoración y restauración de la Villa Otto Wagner en la cual trabajó durante diez años y que desde 1988 puede visitarse como Museo Ernst Fuchs (Viena)...

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Gertrude Stein, la mujer que revolucionó el arte en París
May25

Gertrude Stein, la mujer que revolucionó el arte en París

Una poeta a la antigua usanza, de las de Safo, centrada en la comprensión de un mundo. Una polemista y escritora, más controvertida que reconocida por su propia escritura pero increíblemente influyente en el curso de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX. Dicen de Gertrude Stein que fue la creadora del término “Lost Generation” estadounidense, dicen de Gertrude Stein que fue quién se hizo una fotografía en el búnker en el que murió Hitler en el mismo año 1945 haciendo el saludo nazi, solamente por molestar. Dicen muchas cosas de esta densa mujer, en todos los aspectos definibles, pero hay una que está por encima de todas las demás; ella fue París…”porque París era una mujer”.  La escritora que revolucionó el arte parisino de comienzos del siglo Gertrude Stein es conocida por sus obras literarias pero también por su fascinante vida. Con solo tres años fue trasladada de USA a Europa, concretamente a Viena y a París. Durante toda su juventud se curtió en un aprendizaje que fue impulsado por sus padres, una familia judía de clase de media-alta. A pesar de que esta expatriada anglosajona apenas ha sido reconocida fuera de los circuitos artísticos más especializados, merece la pena tenerla en cuenta como una de las máximas influencias estéticas a principios del siglo XX. Pero no fue la única sino que, actualmente, queda constancia de un movimiento modernista fundado por mujeres emprendedoras que no solo fueron un aliciente estético en el arte de los grandes artistas sino que fundaron sus propias editoriales y crearon revistas literarias, salones, prensa y tertulias literarias. …”una rosa es una rosa es una rosa…” (Gertrude Stein) Hoy podemos conocer más acerca de estas increíbles mujeres gracias a Shari Benstock, quién publicó “Women of the left: París 1900-1940”, un pormenorizado libro en el que salen a la luz “las otras protagonistas” de la vanguardia artística de principios del siglo XX. El coleccionismo de arte en la vida de la poeta Gertrude Stein Esta mujer acumuló decenas de obras a lo largo de su vida entre las que destacan algunas de los pintores más renombrados de la época. Gauguin: Su galería poseía “Sunflowers” y “Three Tahitians”. Cézanne: “Bathers”, “Portrait of Madame Cézanne”. Delacroix: “Perseus and Andromeda”. Matisse: “Woman with a Hat”. Picasso: “Young Girl with Basket of Flowers”. También fue coleccionista de obras de Renoir, Honoré Daumier, Pierre Bonnard, Henri Manguin o Toulouse-Lautrec entre otros. Como bien advirtió Henry McBride, uno de los amigos de la escritora que hizo mucho por la difusión del arte que ella coleccionaba, en USA: “Gertrude recoge genios más que obras maestras. Ella reconoce el camino que aún no han...

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Arte Fantástico y la Escuela Vienesa de Realismo Fantástico
May18

Arte Fantástico y la Escuela Vienesa de Realismo Fantástico

Johann Muschik, historiador y crítico vienés, relacionó el arte fantástico con la Escuela Vienesa de Realismo Fantástico, fundada en 1948 por un grupo de pintores tutelados por Albert Paris von Gütersloh, padre espiritual del grupo. Lo formaban artistas como Ernst Fuchs, Wolfgang Hutter, Arik Brauer, Rudolf Hausner y Anton Lehmden. Influenciados por los descubrimientos acerca del psicoanálisis, se dedicaron a explorar el inconsciente de manera consciente, representando mundos subjetivos controlados por un espíritu racional. Las temáticas surgían de las tradiciones religiosas y místicas de Occidente y, plásticamente, se contraponían al arte abstracto que dominaba la escena artística de mediados del s. XX. Al principio se los clasificó como surrealistas, pero Muschik los diferenció de éstos por la ausencia de absurdidad, paranoia y alucinación. Las propuestas inconformistas de esta escuela escandalizaron la Viena de posguerra y el contexto artístico internacional representado por el arte abstracto. La característica principal del grupo era su procedencia, la Austria de posguerra, y la fascinación por la pintura clásica, especialmente nórdica. No poseían ningún manifiesto y, pese a coincidir todos en la Academia de Bellas Artes de Viena, cada uno mantuvo un estilo bastante propio. La aceptación del público llegó a partir de 1962 cuando tuvo lugar una exposición de 23 artistas que representaban a la Escuela Vienesa de Realismo Fantástico. En 1965 se organizó otra exposición itinerante que viajó por toda Alemania y que les concedió el reconocimiento internacional. Se les pasó a considerar la mejor aportación austriaca al arte de segunda mitad del s. XX. A partir de este momento, cada artista acabó desarrollando un estilo más personal hasta que en 1972 se celebró una exposición retrospectiva en Japón que los juntó de nuevo. Este grupo resultó muy influyente en la evolución de la figuración fantástica a partir de la segunda mitad del. s. XX, que hoy en día se encuentra representada por artistas como Wayne Barlowe, Zdzislaw Beksinski, George Grie y H. R. Giger. Este género se caracteriza por la representación de temas relacionados con el folclore y las tradiciones místicas y míticas de los pueblos. Es difícil clasificar a determinados artistas como “fantásticos”, ya que cabe la posibilidad de que solo lo sea una pequeña muestra de su obra, como sería el caso de Goya o El Bosco, aunque sí hay otros artistas como Giuseppe Arcimboldo o Paul Delvaux que se pueden definir casi completamente como fantásticos. Tal y como apunta Walter Schurian en su libro Arte fantástico, este arte ha existido siempre y es por eso que podemos encontrar formas y temas fantásticos en movimientos y estilos tan lejanos en el tiempo como el Manierismo, el Surrealismo y el movimiento Dadá. Por este...

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Erik el Belga, el mayor pirata de arte del siglo XX
May11

Erik el Belga, el mayor pirata de arte del siglo XX

El arte nunca ha carecido de sombras y, de hecho, como diría Rembrandt: “las sombras son lo único que posibilita la existencia de las luces”. Tuvo que ser justamente uno de los genios del tenebrismo quién nos hablara a nosotros, amantes del arte, de los entresijos de una de las realidades más importantes de la historia; que no existe luz sin oscuridad. Y de oscuridades va justamente la historia de Erik El Belga, el mayor pirata de arte del siglo XX y una de las figuras más misteriosas hasta hace muy poco. Acompáñanos en un fascinante recorrido a través del tiempo y de las obras pictóricas de un ladrón de guante blanco, de un pirata de la belleza. Disfruta del arte. Unas pinceladas imprescindibles para conocer al pirata del arte La historia de Erik el Belga tiene mucho de cinematográfica debido a que este ladrón de arte que saqueó numerosas capitales españolas (Segovia, Palencia, Valladolid, Toro o Frómista) pasó a ser un colaborador en la recuperación de las piezas robadas mientras estaba en la cárcel Modelo de Barcelona. La manera de actuar de de Erik el Belga mostraba un refinamiento exquisito ya que contrataba a bandas de ladrones de la zona en la que quería robar por lo que él nunca estaba cerca del escenario del robo. También las compró, en algunos casos, a obispos o sacerdotes con ánimo de enriquecerse. Este ladrón que había nacido en el año 1940, se convirtió muy pronto en uno de los más buscados en todo el mundo. Tras huir de la cárcel en Bélgica, regresó definitivamente a España debido a las escasas medidas de seguridad que había tanto en monasterios como en iglesias. Después de dos detenciones, una de ellas tratando de robar en la catedral de El Burgo de Osma en Soria, y de una condena de 10 años en la prisión belga de Verviers de la que se fugó, fue encarcelado tras entregarse en España en 1982 y puesto bajo custodia de la cárcel barcelonesa. En ella demostró sus dotes de negociador. Lo había sido durante toda su vida pero, ahora, a la edad de 42 años ya se sentía demasiado mayor, demasiado cansado como para continuar con esa carrera. Castilla y León fue la región en la que tuvieron lugar un mayor número de robos. Esto tenía que ver con la gran riqueza patrimonial y la despoblación de muchas de las localidades en las que se encontraban las obras de arte eclesiástico, completamente desprotegidas. También fue el caso de La Rioja, Cataluña, Navarra o Aragón. Tras la recuperación de más de 1500 obras en un periodo de apenas tres años recibió la libertad condicional  –concretamente en 1985– y se...

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