La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos
Feb17

La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos

Nos adentramos en la consideración de la psicología del arte desde sus inicios con Vigotski y algunas consideraciones acerca del psicoanálisis hasta la arte-terapia y nuestros días. ¡Acompáñanos! Vigotski, una aproximación al origen del arte Tenemos que viajar a Rusia, en 1920, para descubrir el origen de esta corriente que dirigió Vigotski y que sería un primer paso para incluir el arte en los estudios académicos básicos al igual que otras materias como las matemáticas o la literatura. La base de la que partiría sería el carácter y desarrollo de la imaginación artística en los niños (La imaginación y el arte en la infancia, 1930). Para Vigotski, fue el trabajo el que consiguió el desarrollo socio-histórico por lo que la cultura y la riqueza del hombre radican en la ocupación entendida como medio para sentirse más plenos. La máxima expresión de la civilización es la cultura y el arte, para Vigotski. En sus análisis y ensayos, un punto primordial es la complementariedad de la técnica con la creatividad. Como reconocería él mismo con otras palabras; todos podemos tener un Rafael dentro de nosotros pero sin las técnicas ni los progresos relacionados, sin una división del trabajo concreta o una organización de la sociedad puede que nunca llegara a desarrollar su potencial. La máxima expresión de la civilización es la cultura y el arte, para Vigotski. Solo tenemos que pensar, por ejemplo, en la escasez de pintoras femeninas hasta mediados del siglo XX. Esto fue debido a que determinados deberes recaían en ellas, en primer lugar, y a que si eras mujer y pobre, tus posibilidades de desarrollar tus facultades eran nulas. En el caso de los hombres pobres y trabajadores resultaba inviable poder adquirir las herramientas para la preparación de la labor. Fue la esclavitud durante cientos de años y hasta la actualidad la que liberó a las clases pudientes de sus labores. El arte siempre fue un atributo de jerarquías y de clase alta debido a que eran quienes poseían el tiempo, los medios y la posibilidad de ocio. Aún en la actualidad, resulta complicado elegir la dedicación artística a tiempo completo entre las clases medias y bajas, al menos a las altas esferas del arte. Sin embargo si que se ha popularizado la denominada psicología del arte que se basa en el desarrollo de la creatividad y a la reducción del estrés y la ansiedad gracias al aprendizaje de las técnicas artísticas clásicas (pintura, escultura, artes plásticas complementarias). De este modo, el arte como trabajo que vaticinaba Vigotski ha sido adquirido por la psicología que ha descubierto en este, un modo de liberar la psique. La psicología...

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Maruxa Mallo, la pintora surrealista de la generación del 27
Feb14

Maruxa Mallo, la pintora surrealista de la generación del 27

La historia la había olvidado pero más de cien años después ha sido recuperada por la iniciativa llevada a cabo en la Biblioteca Pública Ánxel Casal de Santiago de Compostela. Gracias a esto, lees estas líneas hoy ya que, después de investigar, se llega a la conclusión de que esta magnífica artista lo fue desde el primer momento hasta el último de su vida (sin el reconocimiento adecuado). Nacida en Lugo en 1902, ha sido reconocida como la pintora de la Generación del 27 por excelencia, una artista que fue inspiración de poetas e inspirada por poetas. No es extraño que su manera de pintar sea tan lírica como lo fue su apasionante obra. Nos acercamos tanto a sus lienzos más representativos como a la persona que está detrás del arte. La obra de Maruxa Mallo: desde Lugo hasta el Reina Sofía Surrealismo, cubismo y expresionismo confluyeron en una de las artistas que están obteniendo más reconocimiento ahora del que lograron en toda su vida y, por supuesto, del que consigueron después de su muerte. En su obra se denota la ideología de la artista, sus preocupaciones y aversiones. Es el caso de la religión o la militarización, el rol de la mujer, la sociedad, la ideología política y la pobreza. Todo ello queda plasmado en obras como La Verbena (1927). En este óleo sobre lienzo muestra su devoción por el surrealismo y la sátira. Una curiosidad con respecto a esta pintura es que la muestra de la autora fue organizada por Ortega y Gasset.  Dos años después, exiliada en Argentina, contemplaría la que para ella sería la obra que definiría perfectamente lo que es el arte del pueblo. Se trata de su pintura al óleo Canto de Espigas (1929). Esta sería solo la primera de todas las obras que crearía en el país sudamericano ya que su exilio duraría un cuarto de siglo. De esta huida surgirían obras como Cloacas y campanarios (1932), una obra marcadamente surrealista que muestra la vertiente más macabra de la artista. También será la más oscura, la etapa de posguerra.  Su evolución entre obras como la anteriormente citadas hasta Airagu (1979) o Máscara tres-veinte (1979) es brutal hasta el punto de que su estilo marcadamente surrealista, primero, o tenebrista, después, se convierte en una obra rompedora, figurativa y simbólica. Del punto de partida con influencias de artistas como Picasso o Dalí, surge un Ave Fénix inimitable que diseña una miscelánea geométrica y colorista, un mejunje muy alejado del estilo barroco que la vio nacer como pintora. Su evolución se ha calificado por muchos como transgresora pero, desde luego, va más allá de la transgresión. Es un grito...

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Grandes Coleccionistas I – Henry C. Frick (1849 – 1919)
Feb07

Grandes Coleccionistas I – Henry C. Frick (1849 – 1919)

Henry Clay Frick (1849 – 1919) De origen humilde, Henry Frick siempre tuvo buen ojo para los negocios. Consiguió hacer prosperar la destilería de whisky de su abuelo materno y con esos réditos compró cincuenta hornos de coque. Consciente de la importancia del carbón para la incipiente industria siderúrgica, en pocos años ya tenía más de mil hornos en funcionamiento y a los 30 años ya había ganado su primer millón de dólares. Se hizo socio y amigo de Andrew Carnegie, fundador de la mayor empresa productora de acero del momento (Carnegie Steel Company), relación que le permitió acceder a la presidencia de dicha compañía. Ese gran talento para los negocios junto a la falta de intransigencia frente a los sindicatos de trabajadores le granjearon una mala reputación que haría que atentaran contra su vida en 1889. En 1881 se casó con Adelaide Howard Childs (1859 – 1931) con quien tuvo cuatro hijos. Helen, la menor, se encargó de administrar y catalogar la gran colección de arte que su padre legó a su muerte. Al casarse, Frick compró una casa en Pittsburg (Pennsylvania) y fue en ese preciso momento, cuando se encontraba decorándola, que descubrió su pasión por el arte. Pronto se mudaron a Nueva York donde tenían sede muchas de las empresas de Frick y acabó construyéndose una imponente mansión en la Quinta Avenida con la calle 70. Dicho edificio alberga hoy en día la Frick Collection. Cuando falleció Frick en 1919, estableció unas condiciones muy estrictas en relación al destino de su colección. El domicilio de la Quinta Avenida debía de convertirse en una galería abierta al público una vez hubiese fallecido su esposa. En 1935, cuatro años después del fallecimiento de Adelaide, la Frick Collection abría sus puertas hábilmente remodelada como museo. Otra de las condiciones que impuso fue que ninguna obra podía abandonar el edificio ni ser prestada a otro museo o institución, y así ha sido hasta día de hoy. Las adquisiciones realizadas por la institución a partir de su muerte, en cambio, sí que tienen permiso para ser prestadas ya que no están ligadas a las voluntades del magnate. A parte de un interés evidente por los negocios, Frick centraba todo su tiempo en su familia y en coleccionar arte. Era un coleccionista frío y calculador, no acaparaba, pero cuando se fijaba en una pieza de gran calidad, hacía lo posible para que pasara a formar parte de su colección. A diferencia de muchos otros, también era capaz de vender obras de su colección para adquirir otras obras. Esto puede deberse a que el espacio de su colección era finito, ya que Frick quería que...

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Art Fair Málaga ’17
Feb02

Art Fair Málaga ’17

Art Fair Málaga ’17 ya ha abierto la convocatoria para su primera edición, que se celebrará los días 30 de junio, 1 y 2 de julio en el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga y contará con un espacio expositivo de 6.000 m2, que puede albergar a más de 400 artistas y 50 galerías de arte. Bases de la Convocatoria: Art Fair Málaga ’17 está dirigida a galerías, colectivos, y artistas que trabajan con pintura, escultura, dibujo, obra gráfica original, fotografía, arte digital y otras disciplinas. El Comité de Selección designado por Art Fair Málaga ’17 será el encargado de valorar y seleccionar las propuestas expositivas presentadas. Se valorará principalmente la calidad de las obras de los aplicantes. La fecha límite para la inscripción será el día *28 de abril de 2017. Art Fair Málaga ’17 se presenta como la oportunidad para aquellos artistas no representados por galerías que deseen hacer visible su obra en el mercado del arte actual, así como para las galerías que busquen introducirse y consolidarse en la agenda ferial internacional, en un espacio que propone derribar las barreras invisibles entre artistas, galerías, y nuevos coleccionistas. Creando una propuesta diferente, de inclusión, donde participen tanto los profesionales del sector como aquellos artistas que aún no han tenido la oportunidad de que su obra sea reconocida y valorada en su total magnitud. Un espacio donde establecer una red de contactos directos entre artistas, galerías y el público, sin intermediarios ni comisiones, promoviendo una nueva cultura de coleccionismo, y recuperando el viejo concepto de feria como sitio de ventas. Según sus organizadores, el propósito de Art Fair Málaga ’17 es “generar un espacio de visibilidad, ya que entienden que hay muchos y muy buenos artistas que aún no han logrado introducirse en el mercado del arte, no tienen una galería que les represente, y tampoco tienen acceso a participar en ferias, ya que en España casi todas las ferias son solo para galerías. Por otro lado, hay cada vez menos galerías, y muchas de ellas tampoco tienen acceso a las ferias, en algunos casos por cuestiones de costes de participación, o porque se les margina si no presentan un programa de ferias a las que hayan asistido previamente”. Por eso los slogans de Art Fair Málaga ’17 son “CREEMOS EN LAS OPORTUNIDADES, Y LAS CREAMOS” y “TU OBRA ES TU HISTORIA, NO TU CURRICULUM”. Art Fair Málaga ’17 espera más de 12.000 visitantes, con el objetivo y la satisfacción de poder acercar el arte a un amplio público que podrá disfrutar de un programa de charlas, conferencias, pintura en vivo, performances y actividades recreativas. *Además, hay una...

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La Crítica: Saúl Gil Corona
Ene31

La Crítica: Saúl Gil Corona

«El arte no requiere de entendimiento, sino de espíritu, de alma; el arte se debe interpretar emocionalmente, no intelectualmente, porque el momento de empatía emocional surge en la oscuridad intelectual». Son palabras de Tarkovski, que insistía: «la gente que no tiene cultura está mucho más dispuesta a interpretar espiritualmente el arte, porque carece de pretensiones, porque alguien que es culto está lleno de pretensiones». El arte actual, y probablemente el de cualquier época, está asfixiado por las pretensiones, los ambages y los gin-tonics. Pocas personan sienten el arte, sino que piensan el arte mientras se rodean de él como un atrezzo más de su identidad social: la bufanda, la exposición y el vegano de la esquina. Por eso el arte, el nuestro, necesita a más tipos como Saúl Gil Corona, el artista que se duerme como Prometeo, exhausto, y se despierta con los brazos pletóricos de Atlas, sosteniendo su mundo, que volverá a ser devorado antes de que se esconda la luna. Su alma es fuego El artista maduro no necesita estar revuelto para crear. El artista «perro viejo» no debe esperar a ser devorado para facturar obras que devoren al espectador; tiene que ser capaz de mantener una suficiente distancia emocional  con respecto a sus ángeles y demonios para encauzar una trayectoria artística. Todo esto es lo que dice el manual. Pero la realidad es que se crea mejor embestido, filtrando la sangre fresca como tono principal de la obra. Saúl Gil Corona es un púgil que «Hace para no dejarse enredar por los pensamientos». Su alma flamea en obras que golpean con fuerza al espectador. En No habrá paz para los sueños, de título lapidario, un hombre desnudo ocupa casi toda la superficie de la tabla. Su grito furioso retumba hasta casi hacer temblar el gin-tonic del espectador. Sus desproporcionados puños, apretados, amenazan al cielo, porque los sueños, en nuestros sueños, no se pueden detener… Gil Corona disfruta con estos tipos humanos exuberantes, inmensos, que son capaces de amenazar a los dioses, pero también de amar a sus mujeres. Tal vez son una suerte de autorretrato, de una proyección del artista que no esconde nada, mostrando incluso el interior de su cuerpo, conformado en ocasiones por material reciclado: latas, cadenas, tornillos… El resultado estético de esta técnica mixta es de una desmedida potencia que, como una maza en el corazón del espectador, bombea sangre que enciende sus alarmas. El abrazo del púgil La trayectoria expresiva de Gil Corona partió de la música en su primera juventud, para continuar con las letras y desembocar en el arte plástico. Es precisamente esta necesidad de expresión la que hace temblar...

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William Blake, el artista pionero que murió pobre
Ene27

William Blake, el artista pionero que murió pobre

“El que se alimenta de deseos reprimidos, finalmente se pudre”. –  William Blake. Te conocí no hace ya tiempo, en un exposición abierta en Caixa Forum Madrid. Hasta ese momento, solo sabía que habías escrito poesía hacía un par de siglos y, desgraciadamente, ni siquiera estaba al tanto de este dato porque hubiera leído nada tuyo sino, más bien, porque un músico zaragozano te había incluido en uno de sus temas y me había interesado en la adolescencia por ese grupo y, por extensión, por ti. Fue en una de sus salas dónde contemplé a un visionario que puso sus manos sobre las llamas del infierno de Dante para mostrar algunos de los bocetos, grabados y acuarelas más estremecedores y extrañamente decimonónicos que había visto nunca. Hasta que descubrí que Blake había nacido a mediados del siglo XVIII no fui consciente de hasta qué punto el legado pictórico era tanto o más notable que su aportación a la poesía. Ahora es el momento de que tú también descubras a uno de los pioneros del arte del siglo XIX. El alumno de Durero, Miguel Ángel y Rafael Es casi imposible que la pintura del siglo XVIII estuviera desvinculada de la religión y, por supuesto, en el caso de William Blake (1757 – 1827) no habrá excepción alguna. ¿O si? A un universo propio del que ya da buena cuenta en su faceta poética se suma el gusto por dar una imagen del cristianismo bastante alejada de la virginal postura de sus predecesores. Blake explora la religión a través del simbolismo mediante un uso de la luz y el color que no tienen nada que envidiar a la de los pintores que vendrían después. Su pintura parte del manierismo para adentrarse en nuevos subterfugios y podemos atrevernos a decir que el grado de simbolismo alcanza cotas insospechadas que solo se volverán a ver a partir de finales del siglo XIX. En cierto modo, la ilustración del siglo XX es una revisión de las creaciones de grandes autores como Blake. Tampoco es difícil entender las primeras etapas de Picasso o del mismísimo Dalí después de haber contemplado una exposición completa del polifacético artista. William Blake en algunas pinceladas Ilustraba las publicaciones de otros pero nunca las suyas Nunca se lanzó a hacerlo con sus poemarios “Iluminados” y “No Iluminados”. Sin embargo, fue el ilustrador de Mary Wollstonecraft, Edward Young o John Milton. Gran parte de sus obras pictóricas tienen que ver con una promesa inacabada Más que una promesa era el sueño de Blake. Se trataba de ilustrar una edición de “La Divina Comedia” de Dante. Nunca la consiguió terminar debido a que...

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