Exposiciones que no te puedes perder este 2017
Mar23

Exposiciones que no te puedes perder este 2017

Este año 2017 destaca por la calidad, variedad y cantidad de exposiciones interesantes. Un año en el que se cumplen 80 de la primera exhibición del Guernica y 25 de su llegada al Museo Reina Sofía y en el que se presenta en abril la muestra Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica. Un año en el que también se celebra el 25 aniversario del Museo Thyssen y en el que podremos disfrutar de la exposición Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias. Además te recomendamos que no te pierdas de visitar el Museo Guggenheim Bilbao hasta abril la exposición sobre la colección de Hermann y Margrit Rupf. Por último desde mayo a septiembre os recomendamos no perderos la exposición París, fin de siglo. Signac, Redon, Toulouse- Lautrec y sus contemporáneos en el Museo Guggenheim Bilbao. Con un centenar de obras entre pinturas, dibujos, grabados y obras sobre papel, analiza la escena artística parisina. Hasta el 23 de abril se podrá visitar también en este museo la exposición sobre la colección de Hermann y Margrit Rupf. Se trata de los primeros coleccionistas suizos que centraron su labor en el arte abstracto y contemporáneo, dejándose guiar por su criterio personal. En 1954 nació la Fundación Rupf, dedicada a la conservación, consolidación y expansión de estos fondos, que se depositaron en el Kunstmuseum Bern a principios de la década de 1960. Con el fin de garantizar que en el futuro se siguieran realizando adquisiciones, Hermann y Margrit Rupf cedieron también el resto de su patrimonio a la Fundación, que se ocupa del arte contemporáneo más reciente teniendo siempre en cuenta el núcleo que conforma la magnífica Colección atesorada por el matrimonio. Esta exposición reúne un total de 70 piezas de la Colección Rupf, entre las que se hallan obras de artistas clave de la historia del arte de la primera mitad del siglo XX, como Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger, Paul Klee o Vasily Kandinsky, que dialogan con creaciones de artistas contemporáneos cuya producción abarca desde la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad. Hasta el 28 de mayo podemos visitar en el Museo Thyssen la exposición Obras maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias . Una rigurosa selección de 90 obras procedentes de la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Budapest y de la Galería Nacional de Hungría. El conjunto que se exhibe en Madrid refleja el perfil de los fondos de ambas instituciones a través de pinturas, esculturas y dibujos de grandes artistas como Durero, Rafael, Annibale Carracci, Leonardo da Vinci, Peter Paul Rubens y españoles como Velázquez y Murillo. También incluye una...

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Desde mi taller: Darío Berterreche
Mar17

Desde mi taller: Darío Berterreche

Nací en la ciudad turística de Miramar (Argentina) en 1969. Estudié Óptica y Contactología en la Universidad de Buenos Aires. Una vez asentado y afianzado en mi profesión, di lugar a mi pasión y asistí a varios talleres de dibujo y pintura, con diferentes maestros y técnicas. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? Naturalmente, desde que tengo conciencia, quizás como todo niño. Según cuenta mi madre, a los cinco años dibujaba seis cuadernos por semana. Si bien de joven tuve la necesidad implacable de externalizar mi mundo interior, reconozco que la revelación fuerte de mi búsqueda incesante y trabajo persistente en la pintura surge a través de la ausencia física de mi padre.  ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas? Existen en mi país muchas galerías nuevas que cobran a los artistas una mensualidad para su representación, se salvan con la ilusión del artista emergente, sin respetar el trabajo y la sensibilidad. Entonces brindo por las galerías serias, que apuestan con respeto a los artistas no consagrados, pactando solo un porcentaje de las ventas. ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra? Que sean verdaderos y sinceros, que sigan los latidos de su corazón, que sean conscientes que lo que van a mostrar son fragmentos latentes de un valioso espíritu, un pedazo de cielo de la inmensa intimidad. ¿Cómo vendiste tu primera obra? ¿Hay alguna con la que sientas una mayor conexión? Afortunadamente en mi primer muestra, vendí dos obras, un comprador fue mi marquero (enmarcador de cuadros) y el otro “mi tío”, cuya obra hacía referencia a su hermano, es decir a mi padre, y me exigió que se la cobrara  para sentirla verdaderamente propia. Cada vez que lo visito y la veo, me produce la misma tristeza que tenía al realizarla, es ahí cuando reafirmo mi creencia en el arte verdadero, más allá de la técnica. ¿Qué es el arte para ti? ¿Qué papel juega en tu vida? ¿Vives del arte? El arte es vida, es la inversa de la destrucción y la violencia, se puede atacar con el arte, pero desde el amor. Soy muy afortunado, gracias a la sensibilidad que nos trasmitieron mis padres, toda mi familia vive el arte en sus distintas formas y con muchísima intensidad, mis hermanos, mis hijos y mis sobrinos, (obviamente predominan los músicos). Todavía no vivo del arte, ejerzo como Técnico Óptico en mi ciudad natal, Miramar. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? ¿Te identificas con algún otro artista? Mis fuentes de inspiración además de las pinturas de los grandes maestros y mis pares, suelen ser la poesía. Bill Evans, Keith...

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Grandes Coleccionistas II – Isabella Stewart Gardner (1840 – 1924)
Mar02

Grandes Coleccionistas II – Isabella Stewart Gardner (1840 – 1924)

Isabella Stewart Gardner (1840 – 1924) Isabella Stewart Gardner fue una de las coleccionistas más activas de la época cuando empezó a comprar arte al heredar la fortuna de su padre. De carácter extravagante, fue el centro de atención mediático del Boston de finales de siglo XIX. Mostró mucho interés por el arte de artistas antiguos, pero también por el de sus coetáneos, manteniendo relaciones de íntima amistad con artistas como John Singer Sargent y Anders Zorn, entre muchos otros. Su vanidad exigía todo el protagonismo. Debía tener lo mejor. Si sus deseos eran contrariados, se estimulaba su apetito (…). En sus relaciones personales no encontraba impedimentos ni se detenía ante rechazos o derrotas. Y lo mismo ocurrió cuando empezó a coleccionar arte. Aline B. Saarinen. No solamente se convirtió en una gran coleccionista de arte antiguo, sino que sentó un importante precedente: decoró su residencia a partir de elementos originales antiguos que fue comprando en sus viajes por todo el mundo. Más tarde, otros coleccionistas seguirían su ejemplo, como William Randolph Hearst, que lo trasladó a extremos cercanos a la expoliación. Pese a ser disparatado, el proyecto tuvo éxito y consiguió convertir su domicilio, Fenway Court, en el Isabella Stewart Gardner Museum (ISG) de Boston (Massachusetts, Estados Unidos). Nos encontramos con otra coleccionista que a su muerte decide compartir su fortuna y su excelente colección de arte con su país, Estados Unidos. Años atrás decidí que lo que más falta le hacía a nuestro país era el arte. Éramos una nación muy joven y teníamos pocas oportunidades de contemplar cosas bonitas, obras de arte…así que decidí convertirlo en mi objetivo de vida. Isabella Stewart Gardner (1917). Isabella recibió una formación orientada a las artes y las letras que incluía estudios de italiano y francés, vitales para su trayectoria como coleccionista. A los dieciséis años su familia se mudó a París para finalizar la formación de Isabella, y ésta aprovechó para viajar a Italia, donde empezó a descubrir la que más tarde se convertiría en su mayor pasión: el arte. A los dieciocho volvió a Nueva York, su ciudad natal. Desde allí viajó a Boston para visitar a Julia Gardner, una compañera de buena familia con la que había entablado una buena amistad, y hermana de John Lowell “Jack” Gardner, con quien se casaría dos años después. El matrimonio tuvo un hijo que murió poco antes de cumplir los dos años. Un año después Isabella tuvo un aborto y le anunciaron que no podría volver a tener hijos. El fallecimiento de Julia poco tiempo después se sumó a la lista de desgracias acontecidas en muy pocos años. Isabella no pudo soportarlo y...

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La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos
Feb17

La psicología del arte: la pintura sabe quienes somos

Si nuestra intención es descubrir el medio natural de la psicología del arte tendremos que viajar hacia el pasado, cien años atrás, para conocer la vida y obra de Lev Vigotski, el primer escalón de una revolución del arte en el entorno académico que se consumaría décadas después con el reconocimiento de las artes como medios necesarios para la humanidad en conjunto y no solo para una oligarquía artística. Fue en 1920, en la Rusia postrevolucionaria.  Por aquel entonces, Vigotski ya había perfilado la que sería su gran obra iniciática de la que habalaremos más adelante. Para este psicólogo vanguardista, el trabajo había sido el medio que había permitido la evolución desde un punto de vista sociohistórico por lo que la cultura y la riqueza del ser humano radicaban en la ocupación entendida como medio para sentirse más plenos. Para él, la máxima expresión de la civilización era la cultura y el arte.   La máxima expresión de la civilización es la cultura y el arte, para Vigotski. En sus análisis y ensayos, el axioma primordial es la complementariedad de la técnica con la creatividad. Como reconocería él mismo: “todos podemos tener un Rafael dentro de nosotros pero sin las técnicas ni los progresos relacionados, sin una división del trabajo concreta o una organización de la sociedad puede que nunca llegara a desarrollar su potencial”. La psicología del arte de Vigotski Entre 1915-22 escribió su ensayo más conocido. La tesis doctoral sobre Psicología del arte que sentaría un precedente en el ámbito psicológico. Esta obra fue tan polémica en su tiempo porque, por primera vez ,se apelaba al término “inconsciente” para definir el aspecto esencial del arte. Vigotski era consciente del carácter desconocido e incomprensible que tenían los elementos del arte, en su génesis antipragmática. El arte no era útil ni práctico desde una perspectiva Maslowniana. No era una necesidad vital pero, ¿Era acaso una necesidad básica? ¿Era necesario el arte para vivir bien aunque no sea imprescindible para la supervivencia humana? A diferencia de la mayoría de los postulados del psicoanálisis, esta teoría no equiparaba el arte con los procesos inconscientes oníricos sino que el arte se alzaba como un medio para abrirse paso hacia el subconsciente latente del ser humano en plena vigilia. Para Vigotski, la creación artística era “una sublimación de la energía sexual que derivaba hacia la creación en vez de hacia los instintos directamente sexuales”. No estaba tan errado ya que recientemente se ha descubierto que la pintura es una actividad que libera dopamina (es la hormona que proporciona la sensación de recompensa y que está vinculada a la mayoría de las adicciones, incluido...

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Maruxa Mallo, la pintora surrealista de la generación del 27
Feb14

Maruxa Mallo, la pintora surrealista de la generación del 27

La historia la había olvidado pero más de cien años después ha sido recuperada por la iniciativa llevada a cabo en la Biblioteca Pública Ánxel Casal de Santiago de Compostela. Gracias a esto, lees estas líneas hoy ya que, después de investigar, se llega a la conclusión de que esta magnífica artista lo fue desde el primer momento hasta el último de su vida (sin el reconocimiento adecuado). Nacida en Lugo en 1902, ha sido reconocida como la pintora de la Generación del 27 por excelencia, una artista que fue inspiración de poetas e inspirada por poetas. No es extraño que su manera de pintar sea tan lírica como lo fue su apasionante obra. Nos acercamos tanto a sus lienzos más representativos como a la persona que está detrás del arte. La obra de Maruxa Mallo: desde Lugo hasta el Reina Sofía Surrealismo, cubismo y expresionismo confluyeron en una de las artistas que están obteniendo más reconocimiento ahora del que lograron en toda su vida y, por supuesto, del que consigueron después de su muerte. En su obra se denota la ideología de la artista, sus preocupaciones y aversiones. Es el caso de la religión o la militarización, el rol de la mujer, la sociedad, la ideología política y la pobreza. Todo ello queda plasmado en obras como La Verbena (1927). En este óleo sobre lienzo muestra su devoción por el surrealismo y la sátira. Una curiosidad con respecto a esta pintura es que la muestra de la autora fue organizada por Ortega y Gasset.  Dos años después, exiliada en Argentina, contemplaría la que para ella sería la obra que definiría perfectamente lo que es el arte del pueblo. Se trata de su pintura al óleo Canto de Espigas (1929). Esta sería solo la primera de todas las obras que crearía en el país sudamericano ya que su exilio duraría un cuarto de siglo. De esta huida surgirían obras como Cloacas y campanarios (1932), una obra marcadamente surrealista que muestra la vertiente más macabra de la artista. También será la más oscura, la etapa de posguerra.  Su evolución entre obras como la anteriormente citadas hasta Airagu (1979) o Máscara tres-veinte (1979) es brutal hasta el punto de que su estilo marcadamente surrealista, primero, o tenebrista, después, se convierte en una obra rompedora, figurativa y simbólica. Del punto de partida con influencias de artistas como Picasso o Dalí, surge un Ave Fénix inimitable que diseña una miscelánea geométrica y colorista, un mejunje muy alejado del estilo barroco que la vio nacer como pintora. Su evolución se ha calificado por muchos como transgresora pero, desde luego, va más allá de la transgresión. Es un grito...

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Grandes Coleccionistas I – Henry C. Frick (1849 – 1919)
Feb07

Grandes Coleccionistas I – Henry C. Frick (1849 – 1919)

Henry Clay Frick (1849 – 1919) De origen humilde, Henry Frick siempre tuvo buen ojo para los negocios. Consiguió hacer prosperar la destilería de whisky de su abuelo materno y con esos réditos compró cincuenta hornos de coque. Consciente de la importancia del carbón para la incipiente industria siderúrgica, en pocos años ya tenía más de mil hornos en funcionamiento y a los 30 años ya había ganado su primer millón de dólares. Se hizo socio y amigo de Andrew Carnegie, fundador de la mayor empresa productora de acero del momento (Carnegie Steel Company), relación que le permitió acceder a la presidencia de dicha compañía. Ese gran talento para los negocios junto a la falta de intransigencia frente a los sindicatos de trabajadores le granjearon una mala reputación que haría que atentaran contra su vida en 1889. En 1881 se casó con Adelaide Howard Childs (1859 – 1931) con quien tuvo cuatro hijos. Helen, la menor, se encargó de administrar y catalogar la gran colección de arte que su padre legó a su muerte. Al casarse, Frick compró una casa en Pittsburg (Pennsylvania) y fue en ese preciso momento, cuando se encontraba decorándola, que descubrió su pasión por el arte. Pronto se mudaron a Nueva York donde tenían sede muchas de las empresas de Frick y acabó construyéndose una imponente mansión en la Quinta Avenida con la calle 70. Dicho edificio alberga hoy en día la Frick Collection. Cuando falleció Frick en 1919, estableció unas condiciones muy estrictas en relación al destino de su colección. El domicilio de la Quinta Avenida debía de convertirse en una galería abierta al público una vez hubiese fallecido su esposa. En 1935, cuatro años después del fallecimiento de Adelaide, la Frick Collection abría sus puertas hábilmente remodelada como museo. Otra de las condiciones que impuso fue que ninguna obra podía abandonar el edificio ni ser prestada a otro museo o institución, y así ha sido hasta día de hoy. Las adquisiciones realizadas por la institución a partir de su muerte, en cambio, sí que tienen permiso para ser prestadas ya que no están ligadas a las voluntades del magnate. A parte de un interés evidente por los negocios, Frick centraba todo su tiempo en su familia y en coleccionar arte. Era un coleccionista frío y calculador, no acaparaba, pero cuando se fijaba en una pieza de gran calidad, hacía lo posible para que pasara a formar parte de su colección. A diferencia de muchos otros, también era capaz de vender obras de su colección para adquirir otras obras. Esto puede deberse a que el espacio de su colección era finito, ya que Frick quería que...

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