William Blake, el artista pionero que murió pobre
Ene27

William Blake, el artista pionero que murió pobre

“El que se alimenta de deseos reprimidos, finalmente se pudre”. –  William Blake. Te conocí no hace ya tiempo, en un exposición abierta en Caixa Forum Madrid. Hasta ese momento, solo sabía que habías escrito poesía hacía un par de siglos y, desgraciadamente, ni siquiera estaba al tanto de este dato porque hubiera leído nada tuyo sino, más bien, porque un músico zaragozano te había incluido en uno de sus temas y me había interesado en la adolescencia por ese grupo y, por extensión, por ti. Fue en una de sus salas dónde contemplé a un visionario que puso sus manos sobre las llamas del infierno de Dante para mostrar algunos de los bocetos, grabados y acuarelas más estremecedores y extrañamente decimonónicos que había visto nunca. Hasta que descubrí que Blake había nacido a mediados del siglo XVIII no fui consciente de hasta qué punto el legado pictórico era tanto o más notable que su aportación a la poesía. Ahora es el momento de que tú también descubras a uno de los pioneros del arte del siglo XIX. El alumno de Durero, Miguel Ángel y Rafael Es casi imposible que la pintura del siglo XVIII estuviera desvinculada de la religión y, por supuesto, en el caso de William Blake (1757 – 1827) no habrá excepción alguna. ¿O si? A un universo propio del que ya da buena cuenta en su faceta poética se suma el gusto por dar una imagen del cristianismo bastante alejada de la virginal postura de sus predecesores. Blake explora la religión a través del simbolismo mediante un uso de la luz y el color que no tienen nada que envidiar a la de los pintores que vendrían después. Su pintura parte del manierismo para adentrarse en nuevos subterfugios y podemos atrevernos a decir que el grado de simbolismo alcanza cotas insospechadas que solo se volverán a ver a partir de finales del siglo XIX. En cierto modo, la ilustración del siglo XX es una revisión de las creaciones de grandes autores como Blake. Tampoco es difícil entender las primeras etapas de Picasso o del mismísimo Dalí después de haber contemplado una exposición completa del polifacético artista. William Blake en algunas pinceladas Ilustraba las publicaciones de otros pero nunca las suyas Nunca se lanzó a hacerlo con sus poemarios “Iluminados” y “No Iluminados”. Sin embargo, fue el ilustrador de Mary Wollstonecraft, Edward Young o John Milton. Gran parte de sus obras pictóricas tienen que ver con una promesa inacabada Más que una promesa era el sueño de Blake. Se trataba de ilustrar una edición de “La Divina Comedia” de Dante. Nunca la consiguió terminar debido a que...

Read More
Montserrat Gudiol, la primera pintora académica catalana
Ene09

Montserrat Gudiol, la primera pintora académica catalana

“A veces el cuadro está exigiendo algo. Parece irreal o absurdo, pero es así, el cuadro te pide, te ves forzado por él, manda más la obra que tú misma”. -Montserrat Gudiol. Como todos los niños, la pequeña Montse admiró a su padre desde siempre y, en ocasiones, le observaba mientras trabajaba. Esto no hubiera tenido mayor relevancia de no ser porque su padre era arquitecto y crítico de arte. Y, aunque el mérito es completa y absolutamente de Montserrat Gudiol (1933) por su obra, la historia del arte se hubiera perdido una estrella en el firmamento de no haber sido por este pequeño detalle. Corría la década de 1940 cuando esta catalana de Sant Adrià de Besòs (Barcelona) comenzó a pintar y, por aquel entonces, que una mujer se dedicara a la pintura profesionalmente era un acto de rebeldía. Pero, como se suele decir, “She did it“. Esta es la apasionante vida y obra de la que posiblemente sea una de las cinco pintoras más relevantes en la península en el siglo XX. Montserrat Gudiol, pintora académica catalana y pionera Montserrat aprendió a pintar como aprenden aquellas personas en las que no cree nadie; por su cuenta. Se formó de manera autodidacta durante años (después sería adoptada como pupila en el taller de Ramón Rogent) y a la edad de 17 años tuvo su oportunidad cuando expuso en el Casino de Ripoll. Su gran oportunidad llegaría en una exposición colectiva en Estados Unidos en 1964. Su obra destacó entre grandes artistas de su tiempo como era el caso de Tàpies. No fue hasta 1970 que crearía su gran obra Sant Jordi que a día de hoy es una de las grandes pinturas del arte catalán contemporáneo. Por si fuera poco, Montserrat Gudiol se granjeó el beneplácito de la burguesía catalana hasta tal punto que, en la década de los setenta, fue la más popular de entre todos los artistas para colecciones particulares. Su fama se extendió hasta su muerte el pasado 25 de Diciembre de 2015. Sant Benet, Sant Jordi y Maternidad Azul, la Trinidad de Montserrat Gudiol Su primera gran obra fue compuesta en 1964 en una España convulsa que se preparaba para la transición, aunque no fuera consciente y aunque sus figuras nunca tuvieron un simbolismo, lo cierto es que el rostro hierático de la obra de Sant Benet (1980) que se asemeja a una máscara con la que se recubre la oscuridad del ser, bien podría ser una expresión extrema de su tiempo. Sant Jordi arde en este cuadro del que se desprende la voracidad del color sobre la figura humana. Gudiol era una amante del surrealismo al...

Read More
El pintor Guillaumet, el explorador que fotografió África
Nov23

El pintor Guillaumet, el explorador que fotografió África

Hay quién se enamora del mar y queda atrapado en él para siempre. Algo parecido le sucedió al pintor Guillaumet con el desierto. Inmortalizó el Sahara en sus lienzos como nadie.Este pintor academicista francés vivió a mediados del siglo XIX. Su legado es el de la pintura de las emociones. De no ser así, es posible que la visión de sus obras fuera un elemento puramente decorativo, al gusto de la corriente pictórica a la que se suscribe. Pero Guillaumet traspasó la barrera de lo políticamente hermoso para lograr que el espectador sintiera la soledad y el vacío absoluto del desierto. Este artista consigue crear un efecto sinestésico en el observador que le transporta a una nueva realidad, a un universo ajeno, el desierto, tan sensitivo como fascinante. Acompáñanos al Sahara. Guillaumet y su tiempo: la escuela academicista francesa del siglo XIX Gustave no era como sus compañeros. Y si. Realmente es difícil medir a un artista sin vincularlo a un contexto. El arte decimonónico de mitad de siglo padecía una resaca del Romanticismo precedente que había enraizado en la sociedad francesa. Gracias a artistas como Delacroix, la amada libertad francesa y los altos ideales republicanos se habían plasmado en lienzos que mostraban los valores morales de la sociedad gala del siglo de la Revolución Francesa. Los primeros orientalistas vivieron pocas décadas antes que Guillaumet. Al estilo de Benjamin Constant, trataban de proyectar la imagen idílica y el exotismo de una Arabia que apenas conocían. Guillaumet fue uno de los grandes abanderados del segundo orientalismo, mucho más implicado y sensitivo. La corriente a la que se suscribe no fue solo una ruptura con el occidentalismo teórico sino que se aventuró a viajar más allá de los límites europeos. Su patrimonio y el de contemporáneos suyos como Belly no es solo pictórico sino intelectual. El pensamiento idealizado que se tenía en Europa acerca de los rincones exóticos y lejanos se ha mantenido hasta la llegada de la era de la comunicación. Guillaumet fue el pintor informativo, el fotoperiodista del siglo XIX. Guillaumet  y sus viajes a Argelia A pesar de que fue un destacado pintor a nivel técnico, Guillaumet quedó inmortalizado por otro motivo; acercó el norte de África a la sociedad francesa decimonónica, sus atardeceres de fuego, los testimonios de sus gentes y la exuberante vacuidad de un terreno tan hostil como fascinante. ¿A quién no le seduciría ese silencio que se retuerce de dolor? Guillaumet fue un documentalista más que un pintor. Tuvo la capacidad técnica y la sensibilidad artística de transmitir el desarraigo y la soledad del desierto. Fue capaz de acariciar las entrañas de Argelia y de dirigirse...

Read More
Psicopatología en los artistas del expresionismo abstracto
Nov17

Psicopatología en los artistas del expresionismo abstracto

“Así como Leonardo estudió la anatomía humana y trató de disecar los cuerpos, yo trato de disecar las almas” (Edvard Munch) El expresionismo marcó un antes y un después en el concepto del arte debido a su axioma inicial que partía de la base de que rechazaba la imitación de la realidad y detestaba las contradicciones de la vida moderna. Aunque no dejaba de ser una disciplina educada por sus hermanas mayores; surrealismo y dadaísmo, nunca hubo una corriente que expresara tan bien los sentimientos de una generación de post-guerra, devastada por la crisis existencial. Los gobiernos fallaron al pueblo tanto como la sociedad había fallado a estos artistas que se refugiaron en un universo plagado de dolor ininteligible, de una verdad sin lógica. Bienvenidos al mundo de la psicopatología, a la corriente expresionista. Los “Tastebreakers” o la psicopatología en los artistas del expresionismo abstracto Cuando James Johnson (director del Museo Guggenheim) acuñó el término de “Tastebreakers”, en los años 50, para definir a los nuevos artistas, los que rompían las encorsetadas estructuras artísticas estaba definiendo a un grupo de artistas que rompían con las reglas y que estaban, del mismo modo, rotos por dentro. El vacío existencial y el hedonismo actual no son sino la evolución natural de esa disonancia entre lo que se espera del individuo y lo que el individuo siente. Jackson Pollock, bipolaridad y expresionismo abstracto Antes de que apareciera Munch ya era famoso Jackson Pollock. Curiosamente, este gran artista, una de las insignias más preciadas del expresionismo, comenzó a pintar siguiendo el consejo de su psicoterapeuta Joseph L. Henderson al que había acudido para curar un incipiente problema de alcoholismo. Resulta sorprendente que uno de los artistas más vanguardistas de todos los tiempos estuviera atormentado (como suele suceder en todos los casos en los que el alcoholismo interviene en la vida de una persona). De hecho, las elucubraciones indican que Pollock padecía de trastorno bipolar. Jean Dubuffet, el ladrón de dementes Dubuffet puede que sea uno de los grandes artistas. Creador del término “Art Brut” (o arte en bruto) nunca estuvo muy loco. Todo lo contrario. Estaba lo suficientemente cuerdo como para fijarse en lo que dibujaban los dementes en los sanatorios. Como un lobo a la caza, recorría las calles de París cada noche para retratar el lado más sórdido de la capital francesa del siglo XX. De ahí nacerían series como “Barbas” o “Dames”, basados en personajes caricaturescos, deformes, criminales y deformes. Edvard Munch:”sin temor ni enfermedad, mi vida habría sido un barco sin timón” Que era alcohólico no era extraño en la Noruega de mediados de siglo. El azote de la post-guerra no...

Read More
Artistas del siglo XVIII que dejaron huella
Sep23

Artistas del siglo XVIII que dejaron huella

El neoclasicismo europeo nos legó grandes obras en todas las ramas de las artes aunque, quizás, recordemos más unas que otras. Puede que al lector advierta que en este artículo solamente hemos añadido a mujeres. No ha sido deliberado. Estas sobresalientes mujeres no solo no necesitan tener una sección aparte en la historia del arte sino que son la genialidad a pesar de que se trate de velar sus logros asumiendo que obtuvieron ayuda (realmente no hay un solo artista que no tuviera mecenas, acólitos o familiares influyentes). Su arte trascendió y, a día de hoy, son consideradas tres de los referentes imprescindibles del siglo XVIII. Las artistas del siglo XVIII que no fueron musas, sino genialidad Hemos seleccionado a tres artistas que encarnan tanto la escultura como la pintura y el retrato. Puede que no conocieras los nombres de estas artistas hasta la fecha pero te aseguramos que alguna vez viste sus obras, en algún lugar. Angelika Kauffmann, la pintora de las composiciones “alegres” Esta pintora formada en las artes desde bien joven, fue una artista pragmática dotada de una gran habilidad para la composición y de una disciplina que le granjeó un nombre en la Inglaterra del siglo XVIII. Sus obras fueron reconocidas como “alegres” y se dijo de ella que las figuras masculinas eran, más bien, mujeres masculinizadas, lo cual es gracioso porque, ahora que lo decimos, casi todos los hombres pintores tuvieron el mismo defecto a la inversa hasta bien entrado el siglo XIX. La obra de la pintora de la historia En fin, aunque pasó toda su vida pintando, lo cierto es que solo algunas obras llegaron al gran público. Es el caso de Anna Von Escher Van Muralt, pintura que se puede disfrutar en el Museo del Prado (1800) o Ariadna abandonada por Teseo que se puede ver en el Museo de Bellas Artes de Houston (esta es algo anterior, del año 1774). También se merece una mención su Venus convence a Helena de ir con Paris (1790). Goethe y la última despedida Quizás, quienes mejor acogieron a esta artista suizo-austriaca que vivió en Londres parte de su juventud, fueran los italianos, quienes supieron valorar su arte hasta tal punto de que el mismísimo Goethe la valoró como la artista más persistente e incansablemente trabajadora que jamás había visto. Fue, de hecho, enterrada con los honores que se conferían a los artistas al estilo de cómo se hiciera con el genio Rafael. Pero el paso del tiempo no trajo consigo ningún reconocimiento póstumo mayor para esta gran artista. Muy al contrario, su obra ha sido expuesta en las galerías de medio mundo sin que nadie tenga conocimiento...

Read More
Arte y cine, una combinación perfecta
Jul20

Arte y cine, una combinación perfecta

El séptimo arte siempre ha tenido un gran interés por el arte y por los artistas. En este artículo vamos a hacer un recorrido por algunas de las películas centradas en la vida de maestros universales del como El loco del pelo rojo (1956), Mr. Turner (2014), Pollock (2000) o Shirley. Visiones de la realidad sobre la obra de Edward Hopper. También son interesantes aquellas en las que el arte tiene un papel principal en la trama como La mejor oferta (2013), La dama de oro (2015), Big Eyes (2014) o Midnight in Paris (2011). Una de las más famosas es El loco del pelo rojo protagonizada por los actores Kirk Douglas y Anthony Quinn, que cuenta la vida del famoso pintor impresionista Vincent Van Gogh. Una película que ha disfrutado de un gran éxito y que retrató la atormentada vida del pintor a partir de su obra. Una cinta de 1956 dirigida por Vicent Minelli y que contó con un excelente guión de Norman Corwin basado en la novela homónima de 1934 escrita por Irving Stone. Una película que va contando a través de la vida y la obra la ansiedad, la sensación de fracaso y la soledad que lo llevaron, finalmente, a la locura. Una vida compleja que comienza con sus primeros años como predicador en las regiones mineras de Bélgica hasta su contacto con los pintores impresionistas ubicados en París. Además se centra en sus inestables relaciones amorosas y el complejo vínculo afectivo que con su hermano Theo, que le ayudó durante toda su vida tanto como apoyo emocional, y como sustento económico para que Vincent pudiera sobrevivir como pintor. Lo más interesante es que se supo rodear de otros artistas como Seurat, Monet, Pissarro o su mejor amigo Paul Gauguin, interpretado por Anthony Quinn, que sería premiado con el premio Óscar al mejor actor de reparto. Otra película interesante es Mr. Turner una coproducción británico-franco-alemana del 2014, escrita y dirigida por Mike Leigh y protagonizada por Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey y Paul Jesson. Se trata de una biografía sobre el excéntrico pintor británico J.M.W Turner (1775-1851), ilustre miembro de la Royal Academy of Arts. Un curioso pintor que  vive con su padre y su fiel ama de llaves y aunque lleva una vida acomodada rodeado de aristócratas, visita burdeles y viaja frecuentemente en busca de inspiración. Un artista que sufrió las burlas del público y el sarcasmo de la sociedad. Tras la muerte de su padre, su vida cambia cuando conoce a Mrs. Booth, propietaria de una pensión familiar a orillas del mar. La película se estrenó en la competición por la Palma de oro en el Festival de Cannes 2014,  donde Timothy Spall ganó el premio a Mejor actor y el fotógrafo Dick Pope recibió...

Read More
Follow

Get every new post on this blog delivered to your Inbox.

Join other followers: